Ну и для тех, кому не спится ))

Автор фото М. Мураками

@темы: Разное, Фото

---

Фамильные гербы - моны

Японские гербы "мон" первоначально были эмблемами "благородных родов". Но в XVII-XVIIIвв. своими гербами обзавелись все сколь-нибудь заметные городские семейства - торговцы, актёры, содержатели гостиниц и ресторанов и др. Многие японские фирмы продолжают использовать их до сего дня.




ГЕРБЫ фамильные (мон, монсё) — наносились на знамена, доспехи, одежду или другие предметы. Наибольшее распространение получили в период существования сословия самураев. Позже стали использоваться японскими компаниями как торговая марка и фирменный знак.

Геральдические эмблемы Японии, как правило, имели исключительно законченную и лаконичную эстетическую форму, отличающуюся в этом от обычно вычурных европейских рыцарских гербов. Сюжетами для самурайских гербов могли быть небесные светила и элементы звездного неба, предметы культа и геометрические фигуры. Наиболее популярные темы — растения, цветы и деревья, изображения птиц, животных.

Самые первые мон возникли как часть дворцовых костюмов аристократии в периоды Нара (710–794), Хэйан (794–1185). В отличие от европейских рыцарей, японские обладатели мон носили их не только на доспехах и парадной форме, а практически на всех принадлежностях верхней одежды на специально определенных для этого местах. Такая одежда с гербами называлась «монцуки». В соответствии с правилами герб нашивался на одежду в пяти местах: на спине, между лопатками, на груди (справа и слева), на обоих рукавах. Известны случаи, когда вся одежда была покрыта вытканными или нанесенными краской фамильными гербами.

Фамильный герб представлял собой большую ценность для самурая, так как он был элементом родословной воина и передавался по наследству вместе с именем. Многие из родовых гербов имеют древнее происхождение.

В качестве собственно гербов стали использоваться в период феодальных войн начала XII в. как знак, позволяющий отличать своих воинов от чужих, первоначально они располагались на флагах, затем на доспехах, оружии, конском снаряжении.

Между XIV и XVI столетиями военные роды сильно выросли в количественном отношении, а более крупные древние кланы распались на множество мелких. Фамильные гербы при этом также претерпевали большие изменения. Их становилось все больше, выглядели они все сложнее и запутаннее. Причем слияние некоторых семей также вело к усложнению герба. Ведь в случае объединения двух кланов, имевших достаточно простые мон, новый герб состоял обычно из слияния обоих старых. Если же кланы неоднократно делились или сливались, то рисунок включал части всех мон и становился и вовсе запутанным. Получалось, что у некоторых крупных самурайских семей родовой мон включал в себя до 10 гербов более мелких родов, поглощенных в результате различных политических, военных или семейных акций.

Первые встречающиеся в литературе иллюстрации с изображением родовых гербов самураев относятся к периоду сёгуната Муромати (1333–1568). К началу ХVI в. уже было известно около 250 сохранившихся до наших дней мон. Во время правления сёгуната Токугава (1603–1868) правящие самурайские круги предприняли определенные шаги по фиксированию существующих на то время гербов, и было принято решение о периодическом издании свода всех геральдических изображений Японии (букан). Мирные условия сёгуната Токугава способствовали упрочению устоявшейся системы геральдики и ее упрощению, эстетизации, популяризации и развитию. Военные гербы все чаще наносились на гражданскую одежду, появились некоторые закономерности и даже стиль в оформлении мон. Большинство из них стали симметричными и изображались в виде какого-либо орнамента. В качестве базового рисунка в то время часто использовался круг, внутри которого и изображался собственно сам герб.

Помимо самураев гербы также имели куртизанки, актеры Кабуки, торговцы и представители других сословий. Во многих случаях мон использовался как торговая марка, особенно в период укрепления торгового сословия. Рисунок гербов со временем становился все лаконичнее и, как это ни парадоксально, все чаще напоминал мон времен Хэйан. Предельно сжатая форма выражала суть герба гораздо лучше, чем запутанные графические аналоги. В период Эдо черно-белые каталоги мон стали выходить регулярно, и сейчас они являются источником ценной информации о родственных связях Японии той эпохи.

Долгая эволюция японских гербов не закончилась с завершением феодальной эры. Многие семьи продолжали и продолжают использовать фамильные гербы в повседневной жизни. Число различных вариантов мон стало насчитывать от 4 до 5 тысяч рисунков, большинство которых были производными от основных 250 гербов эпохи средневековья.

@темы: Культура, История, Фото, Традиции и обычаи

---

Украина! Присоединяйтесь!

Приглашаем всех желающих и заинтересованных на открытый фестиваль японской культуры!

Акафуджи 2007

Который состоится с 24 по 26 августа 2007 года на полигоне Шестовица (Украина)

Любите ли вы Японию? Ее своеобразие, ее культуру и искусство? Ее песни, танцы и театр? Перечислять можно часами. Если все это заставляет ваше сердце биться чаще, то наш фестиваль для вас. Мы предлагаем вам на три дня отвлечься от повседневных забот и погрузиться в мир Японии.


Все организационные вопросы: [email protected]
Форум: akafuji.borda.ru/
Телефоны для связи:
Кагами (Юля): 8-096-307-20-15 (Kagami-san)
Королева (Наташа): 8-096-222-09-99
Рони (Наташа): 8-067-527-20-41 (Лорд Нефрит)

@темы: Разное

---

Откуда пошли японцы

АЙНУ (айны) — народ, несколько тысяч лет назад, как полагают ученые, заселявший всю Японию, низовья Амура, Камчатку, Сахалин и Курильские острова.

Японцы появились в своей стране позже (от смешения переселенцев с близлежащего Корейского полуострова с выходцами из островных районов Юго-Восточной Азии), как, впрочем, и русские, ставшие осваивать Дальний Восток лишь в ХVII в. Зародившееся на самом юге архипелага, быстро растущее Японское государство к началу средних веков вытеснило айнов отовсюду, кроме Хоккайдо, хотя еще в середине ХVIII в. отдельные семьи айнского происхождения жили на острове Хонсю. Русские поселенцы столь же активно выдавливали айнов с Сахалина и Камчатки.

Когда по итогам второй мировой войны Курилы были присоединены к СССР, японское население было принудительно выселено на Хоккайдо. Айну депортации не подлежали, но они предпочли переехать на юг вместе с японцами, оставив свои исконные земли. В настоящее время айну в Японии проживают в основном на Хоккайдо — около 24 тысяч человек. В ходе последней, еще всесоюзной, переписи населения в Сахалинской области была зарегистрирована лишь одна женщина, написавшая в графе «Национальность» — «айну».

«Айну» означает «человек», или «мужчина». Считается, что айну — потомки народа, упоминаемого в древних летописях как Эмиси, или Эдзо. Однако их истинное происхождение остается неясным. Айну часто относят к австралоидам, но эти предположения основываются на сходстве черт лица, телосложения, волосяного покрова и т.д. Последние исследования дают возможность предположить их близкие расовые связи с тунгусами, алтайцами и другими жителями Урала и Сибири.

Конечно, в своем общественном развитии в ХVII в. айну заметно отставали от уровня, достигнутого народами России и Японии. Там, где проживали айну, еще царил первобытнообщинный строй, только-только начавший воспринимать элементы рабовладения.

Колониальное освоение русскими и японцами земель айну с севера и юга нарушило многовековой уклад. Бессовестные поборы, грабежи, убийства непокорных, принудительное приведение в чужую веру, хищническая эксплуатация со стороны пришельцев вряд ли могли быть искуплены немногочисленными благами цивилизации, принесенными завоевателями.

Любопытна характеристика, данная айнам А. П. Чеховым: «Это народ кроткий, скромный, добродушный, доверчивый, сообщительный, вежливый, уважающий собственность; на охоте смелый и... даже интеллигентный».

Традиционная культура айнов поддерживалась охотой, рыболовством и сбором диких плодов. Деревенские общины включали не более 20 дворов и располагались вдоль речных берегов. Жилища имели прямоугольную форму и ограду из шестов. Состояли они из главной комнаты, примыкающей к комнате меньших размеров с входом, соломенной крыши и стен из травы микантуса или бамбука. В середине крыши находилось крытое отверстие для выхода дыма. Вход был завешен тканью. Маты из травяной плетенки или звериных шкур прикрывали земляной пол в главной комнате.

Традиционной мужской одеждой айну было напоминающее пальто одеяние из «аттуса» (плетеного материала из размельченного и смягченного волокна внутренней части коры ильма) длиной до икр, которое обычно подпоясывали плетеным ремнем. Зимой носили короткую куртку без рукавов из шкуры оленя или другого зверя. Такая же одежда была у женщин, только длиной по колено.



Обычаем, которому раньше следовали все женщины, была татуировка в виде круга вокруг рта. Ее начинали делать в период зрелости и завершали перед замужеством.

Хотя три главных диалекта (хоккайдский, сахалинский и курильский) общепризнанны, связь айнского языка с другими не установлена. У айнов нет своего письма, однако существуют богатые традиции устного творчества, включая песни, эпические поэмы и полные экспрессии сказания в стихах и прозе.

Религиозные верования айнов подразумевают существование иного мира, состоящего из духов живших когда-то на земле людей и неодушевленных предметов, подвластных тем же силам, что контролируют видимый мир, — ветру, дождю, граду и превыше всего огню. Особо уважаемы духи предков. Шаманы предсказывают удачу или неудачу в охоте, лечат больных.

Значительную роль в религии и ритуалах айнов играют обожествленные животные — медведь, большая полосатая сова, кит-убийца. Один из самых важных ритуалов айнов — Медвежий праздник. Он устраивается для того, чтобы выразить благодарность богу-медведю за его дары — медвежью шкуру и мясо. В ритуале участвует настоящий медведь, взращенный в общине, которая верит в его божественное начало. После трех дней оказания всяческих почестей медведя убивают, с тем чтобы божество могло вернуться в иной мир, освобожденное от своего прежнего обличья. Одна из версий этого ритуала в наши дни ежегодно совершается в общинах айнов для развлечения туристов.

С начала периода Мэйдзи (1868–1912) традиционная охота, ловля рыбы, сбор диких плодов постепенно уступили место культивации риса, коммерческому рыболовству и другой деятельности. Также произошел сдвиг к японской практике ведения домашнего хозяйства, манере одеваться, в питании и других аспектах семейной жизни. Традиционная одежда и предметы религиозного культа теперь используются только в церемониальных мероприятиях. Современная образовательная система привела к тому, что молодое поколение говорит по-японски, постепенно утрачивая навыки айнского языка.

@темы: История

---

Мое самое любимое зрелище - фейерверки!

нашла на mith.ru

@темы: Разное, Фото

---

Всем, кому не спится ))

Красивая ночная Япония

@темы: Разное, Фото

---

Женщины в Синто

Д-р Харуко Окано

Исторические сведения о роли женщин в Синто

Ниже приведен фрагмент книги д-ра Харуко Окано (Dr. Haruko Okano) "Die Stellung Der Frau Im Shinto, изданной Otto Harrasowitz-Wiesbaden. Д-р Харуко Окано - профессор этики феминизма и религиозных исследований в Национальном Университете г. Хиросима, Япония.

Мы переходим к типологической классификации форм проявления женщин в религии Синто. Первое такое проявление – это обожествлённые женщины. Обожествление человеческих существ не необычное в природных религиях или во множестве народных верований, всё ещё остаётся чертой пантеона Синто. Существует четыре группы обожествлённых человеческих существ: 1) уже умершие, 2) харизматические личности, такие как особенно сильные императоры и императрицы, герои и учёные, 3) умершие в несчастье, 4) харизматические девственницы, давшие жизнь божественному младенцу после мистического соединения с божеством.

Другое проявление это женщина человек, но просто потому что она женщина, считается, что она находится в близкой связи с таинственными и опасными силами. Естественные менструальные функции, зачатие и рождение рассматриваются как проявления действия чудесных и волшебных сил, которые делают женщину особенно подходящей для религиозного служения. В человеческой сфере религиозной жизни мы находим следующие типы: 1) целительницы, знахарки, 2) провидцы, гадалки и пророчицы, 3) жрицы, 4) музыкантши или танцовщицы, 5) священные проститутки. В Синто женщина появляется во всех этих обличиях и под разными именами.

Харизматические женщины оказавшие огромное формирующее влияние на древнее Синто как правители, провидцы, жрицы, повитухи или танцовщицы продолжили свою жизнь в истории: 1) как официальные жрицы или танцовщицы Кагура в храмовом Синто, 2) как призывающие духов или бродячие артисты, не зависящие ни от какой религиозной организации, 3) как основательницы «новых религий» или другие учителя в религиозных организациях. Вторая из этих групп это та группа, в которой лучше всего сохранился характер древнего Синто, хотя на неё оказали сильное влияние буддизм и китайская доктрина инь и ян. Третья форма это относительно новый феномен, а вторая постепенно отмирает.

Несмотря на разнообразие рассмотренных нами женских персонажей, у всех них есть несколько общих характеристик, помимо жрицы в современном храме Синто, и их можно суммировать, как «характер Мико».

1) Предпочтительно, Мико должна быть девственницей.

2) Мико ощущает своё призвание неожиданно и спонтанно, по причине своей природы или наследует это призвание вместе с харизмой.

3) Мико в основном асоциальны и живут уединённой жизнью. Но в беспокойные или кризисные времена они появляются как благотворные персонажи.

4) В древнем харизматическом королевстве Мико выступали в качестве посредников и центральных фигур религиозной жизни.

5) Для Мико самым типичным образом установления контакта с божеством является Каму-гераки (одержимость).

6) Благодаря посредническим функциям Мико она может идентифицироваться с божеством, а может и обожествиться сама.

7) Мико могут быть одержимы не только духами божеств или животных, но и бестелесными духами живых или мёртвых. Таким образом, Мико близко связаны с фамильными культами и культами мёртвых, особенно в народных верованиях.

8) Что касается общественного положения, что Мико одновременно уважают, боятся и презирают.

Эти общие характеристики Мико напоминают шамана. Здесь возникает вопрос, можно ли называть Мико шаманами. Для того, чтобы обсуждать шаманизм в Японии, нужно сначала определить шаманизм вообще, ведь этот феномен принимает многие формы. Шаманизм – это религиозный и социальный феномен мистической, магической или даже эзотерической природы, вера в то, что наделённые особой силой люди могут в состоянии экстаза входить в мир духов для получения особенных услуг.

Таким образом, можно сказать, что Мико в древнем Синто и основатели сект в наше время проявляют шаманистические черты, помимо понятия о том, что их души входят в мир духов. Храмовые Мико, включая и Кагура Мико в православной традиции, и неофициальных, независимых Мико вне организованного Синто, не знающие ни истинного призвания, ни истинного экстаза, можно называть псевдо-шаманами не зависимо от схожести их общественных функций. Если можно говорить о шаманизме древней Японии, то он продолжается женщинами. По мере превращения преимущественно матриархального общества в патриархальное, и становления Синто всё более организованной структурой, роль шаманизма в Японии уменьшалась. Под влиянием изменяющихся политических и социальных условий и чуждых религий, он, не развивая собственной философии и обрядности (в отличие от шаманизма Сибири), изменил свои формы и за некоторыми исключениями постепенно исчез с исторической арены и растворился в народных верованиях.

Перевод с английского: Ярослав Морозов

Мико исполняет Кагуру



Еще картинка тут - http://archive.diary.ru/~chichiri/?comments&postid=15158027#more1
Еще по теме тут - http://woman.upelsinka.com/history_sin.htm

@темы: Мифы и легенды, Культура, Религия, История, Фото, Мужчины и женщины

---

Прогавила...

Так хотелось встретить лицом к лицу 400-го ПоЧитывающего....
Эх, не сложилось, но в любом случае, привет всем вновь прибывшим
Ну и пару интересных картинок, говорят, так действительно выглядят рисовые поля в Японии

---

Румико Такахаси

Одна из самых известных и влиятельных авторов манги родилась 10 октября 1957 года в городе Ниигата. В свои школьные годы Такахаси интересовалась комиксами не сильнее, чем её сверстники, и конечно, не задумывалась о том, чтобы сделать тяжёлую работу мангаки своей профессией. Учась в Японском женском университете в Нагано, она, тем не менее, из интереса начала посещать школу создателей манги "Гекига Сондзюку", известную своим талантливым и весьма строгим учителем Кадзуо Койке, признанным мастером своего дела. Койке не уставал внушать своим ученикам, что первоочередное внимание при работе над мангой нужно уделять разработке персонажей и их характеров, и результаты этих уроков можно видеть в работах Такахаси - каждый созданный ею герой поистине уникален. Два года, проведённые в "Гекига Сондзюку", стали решающими в её судьбе.

В 1976 году Такахаси начинает применять полученные знания на практике и публикует несколько коротких историй в малотиражном журнале манга-клуба Японского женского университета. В то же время она оканчивает университет и встаёт перед выбором: начать ли работать по специальности или продолжить свой путь в качестве мангаки.



Её короткие рассказы привлекают внимание крупнейшего японского издательства Shogakukan, которое предлагает ей нарисовать небольшую историю для их еженедельного журнала "Shonen Sunday". Так Такахаси создаёт свою первую профессиональную работу "Эти несносные пришельцы" ("Urusei Yatsura"), за которую получает приз "Лучший молодой художник" и возможность опубликовать уже сериал.



С началом еженедельной публикации сериала на двадцатилетнюю Такахаси обрушился и полный набор тягот жизни начинающего мангаки. Поначалу ей не всегда удавалось соблюдать сроки сдачи работ, поэтому в публикации её манги часто были перерывы. Жила она вместе с двумя ассистентками в крохотной 20-метровой квартирке, сплошь заваленной художественными принадлежностями. Впечатления от этой жизни легли в основу её второго манга-сериала - "Доходный дом Иккоку", который начал выходить в 1980-м году, одновременно с "Urusei Yatsura".



В 1981 году к Такахаси приходит поистине всенародное признание - начинает выходить анимационный телесериал "Urusei Yatsura". Снял сериал тогда ещё неизвестный Мамору Осии, который позже уйдёт в философию и киберпанк и создаст такие шедевры, как "Patlabor", "Ghost in the Shell", "Innocence".



Самым значимым в карьере Такахаси стал 1987 год. К этому времени она уже 10 лет работала в манга-индустрии и решила закончить два сериала ("Доходный дом Иккоку" и "Urusei Yatsura"), над которыми работала на данный момент и начать работать над новой мангой - "Сага о русалках", совершенно непохожая на все другие работы Такахаси, жестокий, темный "триллер". Одновременно с "Сагой" она публикует "Однофунтовое Евангелие", довольно необычную мангу для страны, в который основными религиями являются синтоизм и буддизм. Обе эти работы выходили нерегулярно, небольшими эпизодами до конца 90-х.



В том же 1987 году начинает выходить "Ранма 1/2" - очередной сериал Такахаси, которому тоже было уготовано стать хитом. В 80-90-х годах в сёнен-манге (манге для юношей) превалировали истории, так или иначе касавшиеся темы боевых искусств, и мангака решает попробовать себя в этом направлении. Сериал продолжался до 1996 и, как и предыдущий, был экранизирован. Однако из-за различных маркетинговых и финансовых проблем его анимационная телеверсия оборвалась в 1992 году, так и не закончив сюжетную линию.



6 июля 1995 года издательство Shogakukan организовало большой праздник: была продана миллионная книга Румико Такахаси, которой стал 34-й том "Ранмы 1/2". В 1996 году, после окончания "Ранмы 1/2", она приступает к своему четвёртому сериалу, который знаменует собой перемену в подходе Такахаси к своим популярным работам. Этот сериал, "Инуяся", больше похож на "Сагу о русалках": он более жёсткий, чем предыдущие сериалы, неюмористический, хотя и не такой мрачный, как "Сага". Cериал также был экранизирован, его телеверсия шла на экранах Японии с 2000 года и завершилась в 2004-м, хотя манга закончила выходить лишь в начале 2005-го.



Сегодня Румико Такахаси называют "Принцессой манги". Вот уже более 30 лет она трудится на художественном поприще, полностью отдавая себя работе. Она обладает крупнейшим среди японских женщин состоянием, но не имеет времени его тратить, так как каждую неделю снова и снова садится за рабочий стол и продолжает свою работу.

@темы: Известные личности

---

Дарума - исполнитель желаний

Дарума (Бодайдарума) – японское сокращённое произношение имени Бодхидхармы (?–528), основателя буддийской школы дзэн. В 510-е годы он отправился в Китай, где основал во владении государя У-ди (502–556) из династии Лян, в горах Суньшань, монастырь Шаолин. В этом монастыре, по преданию, в течение девяти лет он предавался медитации, созерцая стену. В 528 г. он умер, передав сокровенное учение дзэн так называемому патриарху дзэн Хуй-кэ.







В Японии учение дзэн, так же, как и сам основатель учения, известны с середины XII в. Начиная с периода Муромати (1335–1537) дзэн-буддизм приобретает особую популярность. Изображение Дарумы часто встречается в искусстве. Существовала даже особая форма кукол – Дарума-нингё. Обычно Даруму изображали с выпученными глазами и без рук и ног, что должно было намекать на девятилетнюю медитацию патриарха, в течение которой по легенде у него атрофировались руки и ноги.



Современный облик дарумы сложился примерно 200 лет назад, когда она стала похожа на нашу неваляшку. По традиции даруму окрашивают в красный цвет – под одеяния священника, но иногда раскрашивают и в жёлтый или зелёный цвета. Интересной особенностью является то, что у дарумы нет зрачков, но остальные черты лица сохранены.





В настоящее время дарума помогает в исполнении желаний – ежегодно сотни и тысячи японцев участвуют в новогоднем ритуале загадывания желаний: для этого даруме закрашивают один глаз, а на подбородке часто пишется имя владельца. После этого она ставится на видное место в доме, рядом с домашним алтарём. Если к следующему новому году желание сбывается, то даруме дорисовывают второй глаз. Если же нет, то куклу относят в храм, где сжигают и приобретают новую. Считается, что ками, материализовавшийся в даруме в благодарность за кров на земле постарается исполнить желание своего владельца. Сжигание дарумы в случае неисполнения желания является обрядом очищения, сообщающим богам, что загадавший желание не отказался от своей цели, а пытается её достичь другими путями. Смещённый центр тяжести и невозможность удержать даруму в склонённом положении указывают на настойчивость загадавшего желание и его решимость дойти до конца во что бы то ни стало.



Обычно дарумы продаются в храмах по цене от 100 рублей (за крошечных куколок размером до 5 см в высоту) до 11 тысяч рублей – за крупных, от 60 см и выше, кукол. Как правило, в год покупают только одну даруму и сжечь её в случае неудачи можно только в том храме, где она была приобретена – для этого на ней ставится печать храма.



Менее известны, но не менее привлекательны другие варианты этого типа игрушки, создаваемые в разных районах страны, - Мацукава Дарума (в виде самурая с густыми бровями), Онна Дарума (в образе женщины), Химэ Дарума (девочка-принцесса), Су-ми Дарума (из кусочка древесного угля), Санкаку Дарума (конической формы) и т.д.

@темы: Мифы и легенды, Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки, Фото

---

Народная игрушка Кокэси

Кокэси не несут в себе никаких благопожелательных мотивов, но их популярность столь велика, что они стали одним из символов жизнестойкости и привлекательности национальной традиционной культуры. Кокэси - народная игрушка, состоящая из цилиндрического туловища и отдельно прикрепленной к нему головки, вытачиваемых на токарном станке. Несмотря на лаконичность, Высота колеблется от нескольких сантиметров до метра.







В Японии издавна сложились устойчивые центры народных художественных промыслов, такие, как Киото, Нара, Кагосима, которые сохранили традиции и в наше время. Каждая префектура, район имеет свои специфические оригинальные изделия народного творчества. Японская кукла Кокэси ведет свое начало с северо-востока страны, из района лесов и сельского хозяйства - Тохоку, окраины острова Хонсю. Хотя официальная дата "рождения" куклы Кокэси - середина периода Эдо (1603-1867), специалисты считают, что кукле уже более тысячи лет. Народные мастера сумели создать огромное разнообразие видов Кокэси.



По характеру рисунка лица, особенностям орнамента, украшающего туловище, можно определить происхождение и место создания куклы. В последнее десятилетие появились новые нетрадиционные формы Кокэси, отличающиеся тонкостью обработки поверхности дерева и деликатностью цветовой росписи.



Однозначного объяснения, каким образом сложился этот тип игрушки, нет. По одной версии, ее прототипом были шаманские фигурки, применявшиеся в обряде вызывания духов - покровителей шелковичного ремесла. По другой - Кокэси являлись своего рода поминальными куклами. Их ставили в крестьянских домах, когда приходилось избавляться от лишних новорожденных, так как родители не смогли бы их прокормить. С этим связываются такие факты, как трактовка слова "кокэси" - "вычеркнутое, забытое дитя", и то, что традиционные Кокэси всегда девочки, которые в крестьянских семьях были гораздо менее желанны, чем сыновья.



Более жизнерадостной версией выступает история о том, что в XVII веке в эти края, славящиеся своими горячими источниками, приехала супруга сёгуна (военного правителя страны), страдавшая бесплодием. Вскоре после этого у нее родилась дочка, что дало повод местным мастерам запечатлеть это событие в кукле.



В городе Наруго (префектура Мияги) ежегодно с 7 по 9 сентября проводится Фестиваль Кокэси. В первый день местному божеству в синтоистском храме посвящаются качественно выполненные куклы, а во второй - сжигаются все экземпляры с дефектами. И, конечно, в большом количестве всюду продаются эти обаятельные игрушки.



Оценить благородную простоту, гармонию форм и тонкие нюансы виртуозной росписи способны, конечно, только взрослые. Это относится и к современным авторским кокэси, появившимся после второй мировой войны. Создания профессиональных художников по форме и декору мало похожи на традиционные Кокэси, но их связывают не только неизменный материал - дерево, но и творческое видение образа, умение мастерски использовать каждую деталь, каждый штрих.

@темы: Мифы и легенды, Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки, Фото

---

Всем неравнодушным ПоЧитывающим посвящается

Как Вы уже знаете, учавствовали мы в звероконкурсе и успешно победили, спасибо всем большое



В благодарность ко всем, кто откликнулся на этот пост http://www.diary.ru/~Yamato-Nippon-...ostid=29546854, мне бы хотелось сказать несколько слов о кошках в Японии



Факт 1 - Вместе с буддистским учением в VI веке н.э. кошка пришла в Японию, кстати, в японском астрологическом календаре есть год кота, соответствующий в китайском году кролика. Император Японии получил из Китая в подарок двух котят, и, согласно преданию, на 19-й день девятого месяца 999 года от этой кошачьей пары было получено потомство. Посчитав это хорошим предзнаменованием, император призвал двух министров и велел им заботится о благополучии кошек. В их распоряжение была предоставлена даже кормилица. Впоследствии великолепные котята были подарены аристократам в знак высочайшей императорской милости.

Но уже 200 лет спустя кошки были объявлены демонами. Старое японское сказание повествует о том, что хвост кошки стали считать сродни змее. И в связи с этим всем кошкам обрубали хвосты. Кошки, у которых не были обрублены хвосты, и кошки старше 10 лет считались самыми опасными дьяволами. На восхитительных японских рисунках того времени почти все кошки изображены с укороченными хвостами. Лишь в 1602 году кошки были полностью реабилитированы императорским указом.



Вот что у нас сочиняют на эту историческую тему



Кошки в Японии



- Но нас и тут подозревали

Во всяких дьявольских делах:

Котов иль просто изгоняли

Или держали на цепях.



Однако же поведать надо,

Как справедливость верх взяла:

Задумал как-то сам Микадо

Обедом угостить посла.



Посла голландского, как друга,

Он усадил с собой за стол,

С царем была его супруга,

Веселый разговор зашел.



Они уже поговорили

О государственных делах;

По залу кошек проводили

На позолоченных цепях.



Голландец захмелел немножко:

«Скажите мне, о, государь,

Зачем сковали цепью кошку

Как страшную лесную тварь?



Ведь это же такие крошки,

Зверюшки, право, нет милей,

К тому ж привязанные кошки

Не смогут истреблять мышей».



На это отвечал Микадо:

«Вы ошибаетесь, мой друг,

Бояться кошек людям надо,

Как сатаны вернейший друг,

Чтоб уберечь от зла людей,

Мы кошек держим на цепях

Вот так, друг мой,

Ну а мышей

Сам вид кота приводит в страх».



И тут царица уронила

Серьгу с сапфиром дорогим

А украшенье мышь схватила

И быстро убежала с ним.



Голландец молвил осторожно:

«Пусть волю кошечкам дадут,

Лишь так вернуть сережку можно,

К тому же ведь и стража тут».

И ради слез императрицы

Цепь сняли с белого кота,

Нигде воришке не укрыться

Охота тут же начата.



Мышь, что кощунство совершила,

Попалась в коготки врагу,

Назад царица получила

Свою роскошную серьгу.



Увидев это все, Микадо

Велел указ писать скорей:

«Бояться кошечек не надо:

Они полезны для людей».



Среди историков есть мненье,

Что не реален наш рассказ,

Но факт, что кошек от гонений

Спас Императорский указ.



отрывок из поэмы «История кошек», Евгений Киевлянин, г.Киев



Факт 2 - Первые кошки, привезенные из Китая и Кореи, были белыми, некоторые – черными и очень мало было трехцветных. Дальнейший завоз южноазиатских кошек и последующее скрещивание дали японскую «трехцветную» кошку ми-ке, пользующуюся уважением даже в наше время. Особенно почитают трехцветных кошек рыбаки, которые верят, что они обладают способностью предчувствовать приближение бури. Кошек берут на рыбную ловлю, чтобы обеспечивать безопасность и хороший улов. Считается также, что черные кошки приносят счастье и излечивают разные болезни. Белых кошек, которые встречаются чаще, любят за красоту.



Факт 3 – В Японии кошка занимает особое, почитаемое положение. Особый буддийский храм в Токио предназначается для почитания кошек, и сюда верующие после смерти своих животных приносят в дар изображение любимцев. Статуи или портреты устанавливаются на алтарь, а кошек хоронят на территории храма. Этот обычай помогает кошке в ее путешествии к нирване; он освобождает человеческую душу, которая была заключена в теле животного на земле, и позволяет ей достичь вечного блаженства. Что касается выгоды хозяина кошки, то почести, оказываемые его кошке, обеспечивают ему в жизни удачу и счастье.



Факт 4 - В Токио есть мост, посвященный кошке, которая старалась облегчить бедное существование своей хозяйки, воруя мелкие золотые вещи у живущего по соседству ростовщика. Этот мост, Некомотабаси, часто посещают благоговейные верующие.



Факт 5 - В Японии, в городе Кагосима, есть Храм кошек. Но сооружен он не в честь священной кошки, а в память о семи совершенно конкретных котах, которых некий военачальник в 1600 году взял с собой на войну. Коты служили воинам часами: по расширявшимся или сужавшимся кошачьим зрачкам японцы умели определять время.



Факт 6 – В Изу-Коген ,Префектура Шизуока, есть музей кошек

Множество фоток можно посмотреть тут - http://fotoplenka.ru/users/yaponochka/17938/?page=1



Факт 7 - Наиболее распространенной в Японии кошкой, приносящей счастье, остается манэкики нэко, или «приветствующая кошка». Фигурку этой привлекательной трехцветной кошки изображают ее сидящей с поднятой к уху одной лапой, как бы в знак приветствия. «С приветствием кошки приходит процветание», - гласит старинная пословица.

Происхождение фигурки связано с множеством легенд, одна из которых об известной женщине из Йосивара, чья любимая кошка была убита в тот момент, когда пыталась предупредить хозяйку о близости опасной змеи. Другая же рассказывает нам что в истории храма Гото-кудзи говорится о том, что в 1615 году настоятель храма приютил бездомного кота. Храм находился в плачевном состоянии, но денег на ремонт и достойное поддержание его не было. Как-то настоятель посетовал: "Киска, я не виню тебя за то, что ты не помогаешь, в конце концов ты всего лишь кот. Вот если бы ты был человеком, тогда бы ты мог что-нибудь делать для нас". Вскоре после этого мимо храма проезжал даймё (князь) Ии Наотака (1590-1659), со славой возвращавшийся из военного похода. Внимание даймё привлек сидевший у храмовых ворот кот, манивший его лапой. Он остановился и вошел в храм, где его встретил настоятель. Мудрый монах произвел на князя впечатление, и тот дал средства для восстановления обители, которая затем стала родовым храмом семьи Ии. Храм сохранился до наших дней и проводит в начале весны церемонию, посвященную своему "кошачьему благодетелю", в связи с чем в одном из храмовых зданий продаются Манэкинэко.



Существует много разных вариантов Манэкинэко, выполненных из глины и фарфора, папье-маше и дерева, сохранились даже старые каменные образцы. Имеются четыре особо значимых элемента: поднятая лапа, нагрудник, цвет и монета.

С лапами так и нет точной определенности - какая что обозначает. Наиболее распространенная версия трактует левую лапу как приманивающую деньги, а правую - удачу. Есть вариант - левая приманивает клиентов, правая - деньги. Нагрудник, нередко нарядно орнаментированный, связывается с синтоистским божеством Дзидзо - покровителем детей и путников. На каменные скульптуры Дзидзо надевают нагрудники, обычно красного цвета, обращаясь к нему с просьбами. Прежде цвета манэкинэко были не столь разнообразны, как в настоящее время, но имели определенное значение. Так, купцы Киото любили черных котов, а в Эдо (Токио) их считали не очень благоприятными. В то же время в некоторых местах черные варианты выступали талисманами против болезней, а красные - специально против кори. Есть истории про золотую Манэкинэко, так же как и про добродетельного кота, стащившего две золотые монеты у своего богатого хозяина для заболевшего соседа-торговца, который его постоянно угощал свежей рыбой. Так появилась монетка на шее манэкинэко.



Созданная фольклором Манэкинэко в руках народных мастеров превратилась в очень симпатичную игрушку-символ, доставляющую радость и детям, и взрослым. Разница в том, что дети видят в ней просто забавное существо, а взрослые при всем своем реализме втайне рассчитывают на ее помощь в процветании, прибылях и удаче.



Факт 8 - Изображение спящей кошки, японский символ мира и спокойствия, украшает многие храмы. Самое известное из них находится в Никко, древней столице Японии, в храме Тошогу.





Факт 9 – 22 февраля Япония отмечает общенациональный праздник – День кошек

Праздник проводится 22 февраля неслучайно: три двойки подряд звучат по-японски примерно как «нян-нян-нян», что в переводе на русский язык означает тройное «мяу».



Факт 10 – В 2001 году крупнейший в Японии производитель систем промышленной автоматизации компания Omron решила не отставать от электронного гиганта Sony и представила собственного домашнего робот - кошку по имени NeCoRo. Как и большинство домашних кошек NeCoRo не умеет выполнять команды и выделывать разные фокусы, не умеет она и ходить.

Разработчики сделали упор на "личном контакте" хозяина и животного - NeCoRo мурлычит когда ее гладят, давая понять, что ей приятно, при помощи по-настоящему кошачьих звуков и движений.

Для достижения высокой степени достоверности поведения робота разработчики разместили тактильные датчики за и под "ушами" NeCoRo и на спине - то есть в местах особенно чувствительных для кошек. Кроме этого робот оснащен звуковыми и визуальными сенсорами, что позволяет ему реагировать на громкие звуки, резкие движения и распознавать свое имя. "Словарь" NeCoRo насчитывает 48 кошачьих звуков, а кроме мяуканья кошка-робот может жмурить глаза, поднимать уши, растягивать и сжимать лапы, выражая таким образом чувства удивления, усталости и т.п. По словам разработчиков, наиболее сложным моментом в разработке NeCoRo было создание "кожи" и "шерсти", адекватно реагирующей на мимику робота.







Факт 11 – В Японии изобрели контактные линзы для котов. Создатели новинки из компании "Мэникон" говорят, что их изобретение стало ответом на многочисленные жалобы хозяев, чьи питомцы страдают глазными болезнями и терпеть не могут лечиться.

@темы: Культура, Животные

---

Японский фарфор.

Я полагаю, что самый краткий рассказ о японской керамике не может обойтись без упоминания о фарфоре. Первоначально фарфор (как и многое другле) был изобретён в Китае с целью имитации изделий из драгоценного нефрита. Техническое и художественное качество китайского фарфора в скором времени стало столь убедительным, что овладеть секретом мастеров Поднебесной стремился весь Восток, а впоследствии и Запад.



Не осталась в стороне и Япония. В 1656 г., после неудачи второго корейского похода, многие даймё, возвращаясь на родину, прихватили с собой в качестве трофея корейских гончаров, освоивших к этому времени производство фарфора. Но решение задачи оказалось сложнее, чем предполагалось. Сишком многое зависело от сырья и местных условий. И только благодаря настойчивости князя Набэсима Наосигэ, проявившего исключительную дальновидность, фарфор был наконец получен около 1616 г. в деревне Арита. Как утверждает легенда, корейский гончар Ри Сампэй после многолетних безуспешных поисков подходящего материала попросту подскользнулся на мокром склоне холма Идзумияма. Так был открыт идзумит - уникальный природный материал, представляющий собой практически готовую фарфоровую массу. (Вспомним, что глина легендарного китайского холма Као-линг, чтобы стать фарфором, нуждалась в добавлении кварца и полевого шпата.) Научиться работать с идзумитом оказалось непросто - он был очень капризен, и только к середине 17 века удалось достичь качества, при котором можно было решать ло-настоящему художественные задачи.







Сакайда Какиэмон, мастерская Арита,17 в. Чаша с надглазурной росписью





Дальнейшие достижения в этой области связаны с работой замечательного мастера Сакайда Какиэмона. Именно ему многие исследователи приписывают изобретение надглазурных красителей, а также разработку соответствующих приёмов декора.







Арита.,17в. Чаша с надглазурной росписью



Несмотря на то, что достижения Какиэмона по распоряжению князя держались в строжайшем секрете, производство фарфора с надглазурной росписью в скором времени началось в мастерской Кутани, а затем и в других местах. Впрочем, мастерские князя Набэсима в течение долгого времени первенствовали в отношении качества производимого фарфора. Это немудрено - ведь там производили не более 500 изделий в год, преимущественно для подарков, обычай поднесения которых влиятельным лицам был широко распространён в это время.







Мастерская Набэсима 17 в. Фарфоровая тарелка с надглазурной росписью



Мастерские князя Набэсима относились к типу "нива-гама" (садовая печь). Обычай устраивать подобные мастерские в саду, в непосредственной близости от замка распространился уже в 15 веке. Могущественные феодалы приглашали знаменитых мастеров, некоторые из которых в качестве признания их заслуг получали самурайское звание. Художники в таких мастерских обладали большей творческой свободой, а кроме того, не зависели от рынка, получая от феодала содержание в форме рисового пайка. От них требовалось только одно - создавать шедевры, и они это делали.







Мастерская Набэсима, 18в .Блюдо с надглазурной росписью



Художественное качество керамики Арита обусловила её высокую конкурентоспособность, и в конце 17 в. изделия мастерских Набэсима становятся важным предметом экспорта. Китайские джонки и голландские корабли спешили в порт Нагасаки, чтобы загрузить трюмы хрупким, но ценным товаром. В Европе японский фарфор становится модным и вызывает волну подражаний. И в самой Японии этот всплеск спроса не проходит бесследно: почти во всех крупных мастерских часть изделий, порой существенная, изготовляется специально на экспорт; формируется даже особый декоративный стиль - "старая Япония", соединяющий подглазурную и надглазурную роспись, а также роспись золотом, ковром покрывающую поверхность изделия. Могу на основании личного опыта заверить, что произведения этой эпохи в лучших образцах обладают ни с чем не сравнимым обаянием. Тонкие и изящные, продуманные до мелочей, вазы в стиле "нисикидэ" (парчовый) действительно кажутся драгоценными.







Пожалуй, нельзя говорить о японской керамике, не упомянув хотя бы несколько имён великих мастеров, сыгравших наиболее выдающуюся роль в её развитии. Это Хоннами Коэцу, Нономура Нинсей, Фурута Орибэ, Сано Сосин, братья Огата - Корин и Кэнзан, Аоки Мокубей и многие другие... Нономура Нинсей - керамист-любитель, живший в 17 в. и создавший собственный декоративный стиль.







Мастерская Шигараку, 17в. Нономура Нинсей, ваза с росписью глазуревидными красителямии и золотом



Нинсей не нуждался в средствах и не был связан экономической стороной ремесла, что позволяло ему решать исключительно творческие задачи. Переезжая с места на место, он работал в разных мастерских, вовлекая в орбиту своей кипучей деятельности многих гончаров. Не связанный цеховым запретом разглашать секреты, он свободно делился своими достижениями и собирал опыт других, что позволило ему создать на основе традиций киотских гончаров особую технику надглазурной росписи с использованием плавких глазуревидных красителей и золота.







Нономура Нинсей. Сосуд с надглазурной росписью 17.в





Керамика Нинсея - это очень тонкий кремовый фаянс с лёгким глазурным кракле и ярким эффектным декором. Влияние его на развитие японской керамики невозможно переоценить. Он сумел перебросить мост между "большим" искусством - современной ему живописью на золотом фоне, и росписью керамических изделий, сделав важный шаг на пути формирования цельной художественной системы японского искусства.







Отата Корин . Тарелка с подглазурной росписью



Аналогичную задачу, но в отношении классической живописи суми-э сумели решить братья Огата - Корин и Кэнзан. До тридцати лет они вели беспечную жизнь наследников богатого купеческого дома, чередуя развлечения с любительскими занятиями искусствами, но затем оказались перед лицом необходимости зарабатывать на жизнь. Корин взялся за живопись и в короткий срок стал аменитым художником, а Кэнзан построил печь Нарутаки и занялся керамикой. Знаменитые ширмы Огата Корина с ирисами - первое, что мы вспоминаем, когда заходит речь о японском искусстве. Но не менее значителен и его вклад в области керамики. Расписывая изделия в мастерской своего брата, Огата Корин сумел адаптировать стиль классической живописи суми-э с его недосказанностью к задачам декора керамики. Отказавшись от декоративных элементов, обычно применяемых, чтобы облегчить увязку изображения с предметной формой, Огата Корин, а вслед за ним и Кэнзан решают поверхность своих изделий как полноправную изобразительную плоскость, равноценную поверхности свитка или ширмы, и даже превосходящую их по интенсивности эмоционального воздействия.







Огата Корин. Тарелка с росписью в жанре э-ута 18 в.



Стоит обратить внимание на связь образного строя этих произведений с миром литературы и поэзии. На этом этапе завершается объединение живописи, керамики и литературы в единую образную и стилевую систему. Сам жанр, к которому принадлежат эти работы, носит особый характер. Ещё в эпоху Хэйан вошло в обычай устраивать поэтические игры, участники которых должны были по изображению на лицевой поверхности блюда угадывать стихотворение, написанное на его обороте. Тарелка Огата Корина с утками-мандаринками относится как раз к этому типу.



Дальнейшее развитие этой тенденции привело к возникновению жанра э-ута (картина- стихи), в котором произведение поэта и художника сливаются уже в неразделимое целое. Это стремление к цельности и кристаллизации художественного переживания и жизни на самом исходе позднего средневековья породило замечательные достижения, важные для всего человечества. Сменяются века, но ценность сделанного японским мастерами не убывает. Их произведения живут и находят им всё новых поклонников и учеников, готовых и в наше время следовать завету великого поэта: "Не тщись идти по пути древних, но ищи то же, что искали они".



Владимир Юделевич

@темы: Культура, Ремесла, История, Фото

---

О японской керамике.

История керамики началась в Японии более пяти тысяч лет назад искусством периода Дзёмон (3000-400 гг. до н.э.), и начало это было столь ярким, что трудно поверить, что племена охотников и собирателей могли создать столь сложные в техническом отношении и художественно совершенные произведения. Собственно термин "дземон" означает "витая веревка" и возник в связи с приемом изготовления этих крупных и сложных по форме терракотовых сосудов с использованием глиняных жгутов.







Назначение их, очевидно не хозяйственное, остаётся для нас непонятным, а форма настолько сложна, что не вяжется с нашими представлениями о примитивном искусстве. Право же, они прекрасно смотрелись бы на любой современной выставке без скидок на возраст. То обстоятельство, что обжиг этой керамики производился не в печах , а в ямах, заполненных древесным углём, отнюдь не упрощало работу древних мастеров, и вы согласитесь, что творения периода Дзёмон - это одна из неразгаданных загадок истории. Пожалуй, из всех памятников культуры Дзёмон наиболее известны так называемые статуэтки догу - стилизованные фигурки людей высотой около полуметра в фантастических одеяниях, которые некоторые исследователи считают изображениями инопланетян в скафандрах.







Около 400г. до н.э смена культур, связанная с очередной волной миграции, положила конец эпохе Дзёмон, но некоторые черты её искусства сохранились и продолжали жить спустя тысячелетия. Я имею в виду особое отношение к чистой, неглазурованной поверхности изделия, ощущаемой как ценность(то, что в Китае воспринималось бы как крайняя степень бедности), и особая экспрессия, почти гротескная выразительность форм, которая проявится потом в монументальной скульптуре, портретной пластике и нэцке..Возможно, также глубинным влиянием эстетики Дзёмон можно обьяснить тот факт, что только в тринадцатом веке глазурованная керамика смогла вытеснить терракоту, хотя изготовление глазурей было известно в Японии ещё с седьмого века н.э.



Изделия Бидзен относились к категории якисимэ - твердой тяжёлой керамики с прочным спёкшимся черепком (stoneware по современной классификации). Для их изготовления в глину добавляли уникальный местный материал - песок чёрного или зелёного цвета, а затем обжигали при температуре 1300 градусов в течении двух-трёх недель. Красящие окислы из песка за это время проникали в черепок, превращая его в однородную спёкшуюся цветную массу.







И в наши дни в Японии изготавливают чёрные, красные, синие и зелёные бидзен-яки, неизменно пользующиеся популярностью. Прошлое не умирает в Японии - оно живёт, благополучно соседствуя с настоящим..Ежегодный фестиваль керамики в г. Имбэ, само название которого означает на старояпонском "люди, делающие культовую посуду", собирает десятки тысяч гостей, получающих по случаю праздника возможность за небольшую плату сделать своими руками под руководством опытного мастера "настоящее бидзен-яки". Затем эти изделия обжигают в соответствии с древними традициями и рассылают заказчикам.



Общеизвестно, что развитие японского искусства во многом связано с влияниями с материка - Китая и Кореи, но сила японской культуры в том, что она переплавляет любое художественное воздействие по законам собственной эстетики, вкладывая в заимствованые формы своё содержаниё; и керамика - яркий пример этому. Во всем, даже в мелочах, в приёмах ремесла (хотя мелочи ли это?) японские мастера всегда самобытны и внутренне последовательны. К концу 13 в. в основном сформировались арсенал технических средств, система приёмов работы и способов организации производства, которые позволили спустя триста лет художественной керамике встать наравне с такими яркими достижениями японского искусства, как живопись на золотом фоне или лаковая техника маки-э.



Полагаю, было бы любопытно сравнить их с аналогичными китайскими. Начнём "от печки". В средневековом Китае обжиговая печь обычно представляла собой простой однокамерный горн с топкой, с прямым током воздуха и вытяжной трубой. Изделия обжигались в тиглях, защищающих их от засорки и дыма. В такой печи было очень нелегко выдержать нужный температурный режим и среду, которая на разных этапах обжига фарфора должна быть то окислительной, то восстановительной. Это требовало огромного мастерства и было сопряжено с немалым профессиональным риском; недаром возникла в Китае пословица "Загрузить печь - всё равно что выткать цветок; обжечь - что дом ограбить".







Обжиг фарфора в Китае



Японская обжиговая конструкция "нобору-гама" (поднимающаяся печь) напротив, представляла собой вереницу печных камер, объединённых током горячего воздуха. Обычно она располагалась на склоне холма, что обеспечивало тягу и без дымохода. Пожалуй, такая печь ближе всего стоит к современной тоннельной печи, с той лишь разницей, что в последней изделия, постепенно нагреваясь, движутся вдоль печи на роликах, а в нобору-гама изделия стоят в камере, а движется вдоль печи горячая зона обжига. Средневековые гончары решили эту задачу гениально просто: кроме большой топки в начале печи, каждая камера была снабжена своей собственной топкой. Когда заканчивается обжиг в первой камере, во второй изделия уже нагреваются почти до половины нужной температуры; затем вступает в действие вторая топка, доводя до конца обжиг в своей камере, затем третья, и так далее. Экономятся дрова, время, и кроме того, появляется возможность гибко регулировать температуру, обжигая изделия в каждой из камер по-своему. Специальная защитная стенка позади топки позволяет обходиться без тиглей, открывая массу возможностей, связанных с непосредственным действием пламени на изделия. Если упомянуть ещё о системе отверстий в сводах камер, позволявших регулировать окислительно-восстановительный режим обжига, становится ясным, что "нобору-гама" была уникальным для своего времени обжигвым устройством. Печи строились разных размеров и вмещали до 10 тысяч изделий., а обжиг длился от нескольких дней до недели.







Японская обжиговая печь нобору-гама



Следующий по важности, после печи, инструмент - гончарный круг. Здесь мы также видим массу различий. Китайский гончарный круг имел верхний диск диаметром около метра, а нижний - вдвое меньше. Подмастерье толкал его ногой, держась руками за верёвку. Мастер работал стоя, держа руки на весу. Если при этом ещё учесть, что по китайской традиции глиняная заготовка не приклеивалась к кругу, а стояла на слое тонкого песка, то становится понятным, что для работы в таких условиях необходима почти цирковая виртуозность.



Японский гончарный круг монтировался в неглубокой яме: массивный маховик и небольшой вершник сбалансированы на колу, вкопанном в дно, гончар сидит на краю ямы, опираясь руками о бёдра, в удобной позе, в общем соответствующей современной технике работы на круге. Всё просто, эргономично и максимально комфортно.

По китайской традиции, подсушенные изделия подвергались обточке, а затем сразу же глазуровке, минуя принятую в Японии (и во всём мире) стадию предварительного обжига. Нетрудно представить, сколько виртуозности требовалось, чтобы отглазуровать тонкостенную фарфоровую вазу больших размеров густой и тяжёлой китайской шпатовой глазурью. В ходу было чередование методов работы - вазу сперва окунали в чан с глазурным шликером, потом подсушивали и следующий слой наносили, разбрызгивая глазурь через бамбуковую трубочку, затянутую шёлком - и так до двадцати раз. Когда обдумываешь всё это, а тем более пробуешь повторить, невольно возникает ощущение, что патриархи китайского гончарства специально стремились усложнить процесс работы, делая упор на преодоление внешних трудностей и достижение механической виртуозности - виртуозности действительно впечатляющей, но в чем-то внешней и несомненно сковывавшей творчество художника-керамиста.



Я не хочу создать превратное впечатление о превосходстве японского прикладного искусства над китайским. Китай не только родина фарфора - он родина всех основных направлений развития восточного искусства и эстетической мысли; но отнюдь не всё заложенное в древности было реализовано именно на китайской земле. Я имею в виде слова Лао-цзы: " разве свойственно глине следовать циркулю и наугольнику?". Они не были услышаны на родине великого мудреца .Вся китайская керамика - это борьба за подчинение материала власти отвлечённой идеи, за стерильную чистоту геометрии. Но именно эта мысль легла в основу специфического японского подхода к пониманию красоты и совершенства в прикладном искусстве вообще и керамике в частности. Конечно, среди продукции любой из японских керамических мастерских большее или меньшее место занимали изделия в китайском духе - т. н. "карамоно", но первенство всё же принадлежало противоположной тенденции. Мы попробуем обрисовать её в самых общих чертах на примере керамических изделий для чайной церемонии, созданных в 16-18 веках.



Выдающиеся мастера чайной церемонии оказывали большое влияние на стиль современной им керамики. . Они не только разрабатывали эстетическую теорию, но зачастую, как Фурута Орибэ, сами руководили керамическими мастерскими. Их роль в развитии японской керамики невозможно переоценить.При всех различиях школ и индивидуальностей можно сказать, что они выработали некий общий подход, который мы постараемся суммировать.



Прежде всего этот подход предполагал естественность, следование природе материала. Если пластичной глине свойственно сохранять отпечатки пальцев мастера, оплывать или наоборот, растрескиваться, то эти её свойства следует положить в основу образа будущей чаши. Если приём формовки оставляет на изделии следы своего применения, то их также следует беречь. (Напротив, в китайской традиции все следы работы тщательно скрываются).







Мино, 16 в. Чаша-тяван



Затем - простота. Вполне в духе того же Лао-цзы, сказавшего: "Самой мудрый внешне во всём подобен самому глупому", японские мастера чайной церемонии Сэн-но Рикю, Кобори Энсю и Фурута Орибэ за образец для разрабатываемого ими нового стиля прикладного искусства, соответствующего духу чайного действа, избрали простые изделия деревенских гончаров. Разница заключалась лишь в том, что присущие шедеврам этого стиля дефекты и неровности, их подчеркнуто простой - порой всего несколько пятен глазури - декор выражали глубокое духовное содержание, которое невозможно было бы передать самым пространным повествованием. Если китайский фарфор - это яркий и красочный рассказ, то японская керамика - это ещё более красноречивое молчание.







Мино, 17в. Чаша-тяван



Форма изделий, в отличие от китайской традиции, чаще была подчеркнуто-неправильной, ассимметричной, и это асимметрия, отчасти свойственная природе керамического производства, когда изделие в процессе сушки и обжига неизбежно в той или иной степени деформируется, была осмыслена как пластическая ценность.







Ига, 17 в. Ваза для цветов



В арсенале средств, которыми пользовались японские мастера, очень велика была роль дефектов. Пузыри и трещины глазури; вздутия глины и термические разрывы черепка - всё то, что китайцы воспринимали бы как неустранимый брак, использовалось японскими мастерами как художественные эффекты, которые они применяли с большим вкусом и величайшим искусством.







Хоннами Коэцу, а вслед за ним мастера его школы, например, нарочно добивались растрескивания своих знаменитых чаш за счет резкого повышения температуры обжига, а потом с удовольствием заполняли эти трещины золотом, справедливо полагая, что только это придаёт чаше по-настоящему неповторимую индивидуальность. Удивительно или нет, но такие чаши изготавливают и сейчас, в полном соответствии с техническими приёмами и эстетическими идеалами 16 в.; а чаши самого Коэцу хранятся как величайшее сокровище, художественная ценность общенационального масштаба.







Школа Коэцу, 20 в., чаша-тяван



Наконец, даже разбитая чаша отнюдь не считалась потерянной. В соответствии с той самой эстетикой, которая находила красоту, обыгрывая всевозможные дефекты, разбитую чашку с величайшей тщательностью склеивали с помощью золотого лака; благодаря чему она приобретала более богатую историю, а следовательно, ещё большую ценность.







Идо,17 в. Чаша-тяван. Фарфор, золотой лак



В случае, если чаша имела живописный или графический (обычно один-два иероглифа) декор, следовало стремиться к простоте; которая позволяла бы добиться предельной выразительности тщательно отобранных мазков и линий, немногими словами высказать многое.







Нономура Нинсей.,17в. Тяван. Фарфор, роспись



Глазурный декор напротив, мог быть сложным, многослойным, как на керамических изделиях мастерских Раку. Эти прославленные чаши, как правило, формовались вручную, и покрывались несколькими слоями легкоплавких глазурей различного состава. Их взаимодействие при обжиге и порождало те уникальные декоративные эффекты, которые так высоко ценились японскими знатоками керамики.







Раку, 19в. Чаша-тяван



Большое значение придавалось также разного рода специальным эффектам, связанным с градацией температуры в разных частях печи, и также окислительным или восстановительным режимом обжига. Японские керамисты как никто умели использовать такие случайные и на первый взгляд непредсказуемые явления, как задымление или пережог. Кроме того, применялись особые приёмы, такие, как обёртывание глазурованных изделий сосновыми ветками, оставлявшими при определённом режиме обжига следы в виде многочисленных цветных точек(узор "сосновые иглы"), обвязывание соломенными верёвками, и так далее.







Ига, 17 в. Шкатулка в виде краеугольного камня



Задаче создания остро индивидуальных неповторимых произведений соответствовали и методы формовки. Чаши обычно формовались вручную, вытягиванием из комка глины, таким образом, чтобы сохранять не только отпечатки рук мастера, но и след его души. Изделия оригинальной формы, стилистически связанные с чайной церемонией - вазы для цветов или шкатулки - такие как эта, в виде краеугольного камня, - формовались способом тэ-дзукури (рука-молоток) , а плоские изделия склеивали из слегка подсушенных глиняных пластин. Гончарная формовка применялась в двух вариантах: либо идеально ровная, совершенная по форме, либо подчёркнуто простая, "деревенская", со следами от пальцев гончара.







Орибэ, 16 в. Шкатулка в виде веера



И наконец, керамика для чайной церемонии всегда была очень взыскательна по отношению к зрителю. Ничего поверхностного, никакой внешней красивости, продиктованной стремлением понравиться. Непосвящённый, или человек с неразвитым вкусом просто пройдёт мимо. Настоящее искусство не раскрывает свою красоту случайному зрителю. Чтобы проиллюстрировать это положение, приведу известную притчу о том, как ученики Коборю Энсю хвалили его коллекцию чаш: "Каждая из них вызовет восхищение любого человека, в то время как коллекцией Рикю может восхищаться лишь один из тысячи." Огорчённый Энсю ответил: "Это значит лишь то, что я, глупец, обращал внимание на вкусы большинства, а великий Рикю собирал лишь то, что интересно ему. Воистину, он настоящий мастер чая".

Все сказанное выше позволяет понять, почему в японской культуре с 16 в и до настоящего времени бытует особое, трепетное и уважительное отношение к керамике как к художественной и духовной ценности непреходящего значения; и японская керамика в полной мере оправдала это отношение, создав произведения, уникальные по глубине и художественному совершенству.



Владимир Юделевич



Уроки мастерства - http://e-uta.haiku-do.com/lesson01.shtml

@темы: Культура, Ремесла, История, Фото

---

ВАСИ — традиционная японская бумага ручного изготовления.

Производство бумаги началось в Китае в начале II в. Впервые в Японию ее привез корейский монах в 610 г., в то время как странам Запада пришлось ждать еще более 500–1000 лет, чтобы овладеть искусством изготовления бумаги: в Испанию оно проникло в 1151 г., а в Голландию — в 1586-м.



За несколько столетий, прошедших со времени первого знакомства, японцы модифицировали китайскую технологию и создали собственные способы производства бумаги. Волокна, размоченные в воде, китайцы выливали на специальные сетчатые щиты-формы и давали воде медленно стечь, просочиться сквозь мелкие ячейки. Японцы же, напротив, энергично и умело трясли форму, чтобы волокна хорошенько переплелись между собой. И еще они стали добавлять клейкий растительный экстракт, который способствовал более плотному и прочному соединению волокон.



Японская бумага моментально приобрела популярность при императорском дворе в период Хэйан (794–1185). В те времена лучшие сорта японской бумаги по цене не уступали золоту. С тех пор такая бумага стала одним из наиболее популярных подарков.







Достаточно получить от японца письмо, написанное на бумаге “васи”, которая изготавливается вручную в городе Имадатэтё (префектура Фукуи), чтобы понять, что в нем идет речь о чем-то очень важном. Традиция изготовления высококачественной бумаги сложилась в Имадатэтё еще 1500 лет назад.



”Специалисты считают, что технология изготовления бумаги появилась в Японии в IV-V веках”, — рассказывает Масахару Кавано, директор местного кооператива по производству бумаги “васи”. Бумагу здесь начали изготавливать выходцы из Кореи, лодки которых сильное морское течение относило от Корейского полуострова к берегам Этидзэн — современной префектуры Фукуи.



”Все основные приемы изготовления бумаги, которые впоследствии стали применяться в Японии повсеместно, были изобретены именно в Этидзэне”, — говорит Хироаки Наито, руководитель производственного кооператива “Фукуи васи”. В настоящее время в Имадатэтё функционируют три крупных предприятия, известных под общим названием “Этидзэн васи-но сато” (“Родина “васи” из Этидзэна”), которые тщательно изучают историю бумажного производства в Этидзэне и обеспечивают ее изготовление для современного использовани.



На первый взгляд трудно даже предположить, что можно что-то сделать из смеси, состоящей из спутанных волокон и “нэри” — вязкой жидкости из корня растения торороаои или коры гортензии нориуцуги, которая прочно скрепляет волокна бумаги и придает ей эластичность и прочность. Кажется, что эта смесь более подходит для клейки обоев, чем для производства бумаги высококачественной фактуры, на которой можно писать.



Однако первое впечатление весьма обманчиво. Комплект прекрасных почтовых открыток, сделанных вами собственноручно, будет готов через 25 минут, после того как его разложат на золотой пластине и просушат при помощи большого фена для сушки волос.



Сначала бесформенная бумажная масса помещается на специальное сито и просеивается до тех пор, пока не примет ровную горизонтальную форму. Затем волокна плотно соединяются и превращаются в липкий лист бумаги.



Процедура просеивания, которая называется “нагасидзуки”, является самым важным элементом в процессе производства бумаги в Японии. Он существенно отличается от континентального способа производства бумаги по технике “тамэдзуки” — более простого метода сушки, в котором не применяется просеивание и тряска бумажной массы. ”Глядя на бумагу, можно сразу определить, при помощи какой технологии она была изготовлена. На бумаге, изготовленной по технологии “тамэдзуки”, остаются более грубые следы на месте соединения волокон”, — поясняет Наито.



Тщательно смывая избыточный материал с поверхности образующегося листа бумаги, техника “нагасидзуки” позволяет производить очень гладкую и эластичную бумагу.



”Производство бумаги в Японии имело собственные характерные особенности, — продолжает Наито. — Мастера, которые знакомились с технологией ее изготовления на континенте, прежде всего искали местные материалы, которыми можно было бы заменить отсутствующую на острове коноплю и другие растения. Японские мастера стали использовать тутовое дерево “кодзо” и другие волокнистые растения, такие, как “гампи” и “мицумата”. Еще одна особенность японской технологии — это применение “нэри” для связки бумажных волокон”.



Тип бумаги, который исторически наиболее связан с Этидзэн, называется “ториноко” — это тонкая бумага с гладкой поверхностью, сделанная из “мицумата”, и более толстая и плотная бумага — “хосё” из растения “ходзо”. Поскольку бумага из Этидзэн очень нравилась сёгунам династии Токигава, именно на ней написаны все исторические документы периода Эдо (1603-1868 гг.), который по праву считается золотым веком бумажного производства в Этидзэне.



Плотная бумага широко применялась и в традиционной архитектуре. Легкие конструкции из деревянных скользящих каркасов (“фусума” и “сёдзи”), на которые натягивалась бумага, выдерживали даже сильные тайфуны и землетрясения, которые безжалостно разрушали каменные постройки.







Но в настоящее время бумага “васи” применяется лишь в исключительно редких случаях.

@темы: Культура, Ремесла, Фото

---

Мидзухики - традиционное японское вязание узлов

Когда-то, давным-давно, а точнее, в 607 году, из Китая вернулось на родные острова японское посольство. Среди прочих диковин оно привезло подарок китайского правителя императору Японии. Сей дар Китая был уложен в ящик и закрыт крышкой, декорированной пышной розеткой, сплетенной из белых и красных шнуров. Эта китайская коробочка и положила начало японской традиции украшения подарков красными и белыми (или золотыми и серебряными) нитями. Из императорских покоев она шагнула в среду придворных, а оттуда мало-помалу проникла и в широкие круги японского общества.



С эпохи Хэйан (IX-XII вв.) в Японии для украшений такого рода используются тонкие цветные шнуры, сплетенные из длинных полосок раскрашенной японской бумаги васи и покрытые специальным крахмальным клейстером. Язык не поворачивается назвать эти произведения бечёвками, хотя по технологии изготовления это именно бечёвки.



Сначала мидзухики - так эти нити называются по-японски использовались только при императорском дворе, однако позже получили большое распростронение и среди населения. А уже с 1920-х гг. мидзухики начинают использовать в обряде бракосочетания, при трауре, при поздравлениях и т.д. Завязать конверт с помощью мидзухики по японской традиции означает закрыть свое сердце в конверте…



Теперь мидзухи стало одним из самых уважаемых традиционных искусств наряду с икэбана и оригами. Чаще всего в композициях мидзухики изображаются журавль и черепаха - известные символы счастья и долголетия, нередко встречаются растительные мотивы - цветы сакуры и сливы, ветки сосны и бамбука…





Сложную символику хитросплетений мидзухики дано разгадать не каждому, более того - даже не каждому японцу. Существует, однако, азбука "узловедения", которой владеет каждый уважающий себя японский человек. Первые три "буквы" такого "алфавита" изображены на рисунке.



Крайний левый, "глухой" узел называется по-японски мусуби-кири - что-то вроде "узел, который нельзя развязать", "узел, который можно только разрубить". Центральный узелок хорошо известен нам под названием "бантик", но в Японии он называется тё-мусуби - "узел-бабочка". Наконец, третий узел, который по-русски хочется назвать "улитка", носит японское название аваби-мусуби (аваби - это такой моллюск, он еще называется "морское ушко").



Каждый из узлов несет свой смысл. "Глухим" узлом завязывается конверт с деньгами в том случае, когда они преподносятся в честь события, повторение которого не предполагается - свадьбы, например.



"Бабочкой" ("бантиком") украшают конверт, когда хотят, чтобы данное событие повторялось снова и снова. Символика здесь проста и прозрачна: такой узел всегда можно развязать и снова завязать.



Улитка - универсальный узел, которым можно пользоваться всегда, надо только помнить, что если деньги вручаются в час радостного события, то свободные концы узла должны уходить вверх, в случае печального - чаще всего вниз. То же самое, впрочем, относится и к "глухому" узлу. Такова традиция…

@темы: Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки, Фото

---

Темари - исскуство вышивки нитяных шаров

Темари - это необычное слово широко известно во всем мире любителям рукоделия. Так называются традиционные японские вышитые шары, которые когда-то служили детской игрушкой, а теперь стали формой прикладного искусства, которое имеет множество поклонников не только в Японии, но и во всем мире.



История темари насчитывает уже несколько столетий.

В 8 веке в Японию из Китая пришла игра кемари (ножной мяч), в которую сначала играли только знатные люди. Мячи для игры были сделаны из кожи оленя и не отличались богатым декором. Позже игра стала более массовой. Известно, что в 13-16 в подобные шары использовались уличными жонглерами для представлений.



Видимо, к этому времени относится начало развития искусства темари в том виде, как оно известно сейчас. Игра кемари (ножной мяч) трансформировалась в темари (ручной мяч), и в эту игру стали играть девочки знатных фамилий. Поскольку мячики уже не пинали ногами, а обращались с ними аккуратно, стало возможным богато украшать их шелковой вышивкой. Темари стало искусством аристократии, и благородные дамы конкурировали в создании все более сложных и запутанных узоров. Женщины-служанки в домах самураев также соревновались друг с другом в умении вышить лучший подарок для своей госпожи.



Темари стали драгоценным подарком, их блестящие шелковые и золотые нити символизировали пожелания блестящей и богатой жизни. Темари были непременным атрибутом праздника девочек, во время которого девочки играли в особые игры с шариками, подбрасывая их со специальными ритмичными песнями. Когда дочери самураев выходили замуж, то, покидая родной замок, они брали с собой темари как талисманы и память о родном доме. Эти увозимые в новую жизнь темари даже имеют специальные названия.



Если сначала искусство темари было привилегией только высших слоев общества, то постепенно оно становилось все более массовым. В 19 веке с развитием технологий шелковые нити стали более доступны широким слоям населения и начался расцвет искусства. В каждом из многочисленных регионов страны были разработаны свои характерные узоры, которые потом передавались из поколения в поколение. Поскольку шелковые нити оставались все-таки дорогим удовольствием, то появились узоры, позволяющие использовать даже самые короткие обрывки нити. Для этих узоров используется не вышивка, а обмотка шарика нитью, которая может быть связана из отдельных кусочков.



В начале 20 века, с появлением резиновых мячей, интерес к темари пошел на убыль. Однако в середине 70-х годов, в связи со всплеском внимания к традиционным культурам, темари снова попали в поле зрения любителей рукоделия. Несколько хороших публикаций о темари на английском языке сделали это искусство известным далеко за пределами Японии, и оно стало стремительно набирать поклонников. Сегодня темари опять считаются в Японии дорогим подарком и традиционным сувениром, а во всем мире известны как необыкновенно занимательное рукоделие, имеющее множество фанатов.



Традиционно основа для темари изготавливалась из старых, отживших свое кимоно, которые рвались на полосы и сматывались в тугой клубок. Иногда основой для такого клубка служил мешочек с рисовой шелухой или деревянная бусина. Внутрь шарика может быть помещен колокольчик или погремушка, шнурок от которых иногда выводится наружу, если для получения звука надо дернуть за него.



Когда сформирована основа темари в виде очень плотного тряпичного шара, наматывается верхний слой декоративных ниток, по которым ведется собственно вышивка. Традиционные узоры, как правило, геометрические, иногда включающие элементы свободной вышивки. В любом случае работа над темари начинается с предварительной разметки шарика специальными нитями. Типов разметки очень немного, они известны веками, и все многообразие узоров построено именно на них. Традиционные темари использовали всего 2 вида стежков для вышивки и несколько приемов обмотки шарика, на основе которых выработаны типичные элементы дизайна, имеющие, кстати, собственные названия. Вариативность узоров достигается за счет различных комбинаций известных элементов и различного их расположения на узлах разметки.



Для современных темари иногда используются в качестве основы заготовки из пенополистирола, внутрь которых также могут быть вложены погремушки. Использование такой основы облегчает работу над темари, потому что для некоторых узоров очень важна точность разметки, и неправильность формы шарика, которая неизбежно возникает при сматывании его из ленточек, может создать трудности при его разметке. Тем не менее, мастера зачастую предпочитают традиционную рисовую шелуху, на которую еще, к тому же, иногда капают ароматические масла.



Средний размер темари - 5-12 см в диаметре, но встречались упоминания о 30 сантиметровом шарике (правда, не старинном, а сувенирном, недавнего времени). Определенной популярностью пользуются также маленькие темари, которые используются для украшений.



Часто темари снабжаются петлей для подвески сверху и декоративным узлом или кистью внизу.



Интересно, что если раньше старые кимоно служили основой для темари, то теперь сюжеты с изображением темари часто используются в экслюзивных шелках для новых кимоно. На фотографиях вверху - два фрагмента современных шелков с узором темари. Шарики украшены традиционным узором и на них видна разметка.



В процессе освоения искусства темари очень приемлемой заменой рисовой шелухе могут служить скомканные полиэтиленовые пакеты. Конечно, оно не так эстетично, зато, как сказано в любимом фильме "дешево, надежно и практично". Комок пакетов быстро формирует внутренний объем шарика, и ему довольно легко придать правильную форму, прижимая нитками "выпирающие" места. На фотографиях внизу - процесс изготовления шарика-основы.







Отсюда - http://www.temari.ru

ЖЖ по сабжу - http://community.livejournal.com/ru_temari

@темы: Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки, Фото

---

Пати-Пуро

Что превращает поклонника азартных игр в профессионала? Для картежника необходимы отличная память и способности хорошего тактика, для бильярдиста — глазомер и точная рука, для тех, кого волнуют бега на ипподроме, — знание потенциала каждой лошади, особенностей жокеев. А как определяет перспективу выигрыша в рулетку посетитель казино? Или, например, игрок в патинко?



Сначала о терминах

Начну с забавного случая. Однажды по Токио бродил российский чиновник, знакомясь с достопримечательностями. Японец-переводчик показывал ему на заведения по сторонам улицы: «Вот патинко, и тут патинко, и там…» Удивленный россиянин спросил: «Опять починка? Зачем на одной улице столько ремонтных служб?» Переводчику пришлось немало потрудиться, чтобы втолковать иностранцу, что речь идет об игровых салонах.

Эту игру в Японию завезли из Америки в 20-х годах прошлого века. Это что-то вроде пинбола. При входе покупаешь сотню-другую стальных шариков по 4 иены за каждый и заряжаешь ими приемное устройство приглянувшегося автомата. Нажатием рычага шарики один за другим вбрасываются в игровое поле, утыканное штырьками. Шарик под силой своей тяжести пробирается через этот частокол и попадает (или, что бывает гораздо чаще, не попадает) в призовое отверстие. В случае удачи автомат награждает игрока дополнительной пригоршней шариков, выбрасывая их в приемное устройство. И это продолжается до тех пор, пока запас шариков не иссякнет или игрок не посчитает себя удовлетворенным. Тогда оставшиеся шары можно обменять на деньги.

Азартные игры в Японии запрещены. Это, правда, не касается ипподрома, гонок на катерах или мотоциклах и лотерей. Но ищущие азарта люди легко обходят законодательные препоны. Так и с салонами патинко. Выигрыш там можно получить лишь в форме призов — шоколадок, сигарет, кукол, пачек стирального порошка, электроприборов. В случае особой удачи, сдав в кассу несколько тазов выигранных шаров, можно получить «специальный приз» — закатанные в пластик или оргстекло жемчужины, миниатюрные золотые слитки (вероятнее всего, муляжи). В большинстве случаев содержание или внешний вид приза игрока не волнуют. Его интересует денежный выигрыш. В зале для патинко выдавать приз деньгами запрещено. Но если выйти из салона и завернуть за угол, можно легко обнаружить маленькое окошко в стене, куда игроки суют свои призы, а взамен получают их денежный эквивалент, конечно же, за вычетом комиссионных. Все остаются довольны. И салон, и меняльная контора за углом, которая каждый вечер возвращает все выкупленные призы на полки салона, и удачливый игрок. Все понимают, что закон о запрете азартных игр постоянно нарушается. Но за всю историю бизнеса никто не припомнит ни одного ареста провинившихся.

Теперь об автоматах. В каждом игровом салоне их как минимум сотня. Большие заведения держат до полутысячи таких аппаратов. Старые образцы, где для каждого выстрела надо было нажимать спусковой рычаг, давно вышли из практики. Теперь в ходу три его модификации — ханэмоно, дэдзи-пати и пати-суро. Ближе всего к старому ностальгическому варианту — ханэмоно, где штырьки располагаются по игровому полю крыльями (ханэ — крыло). Но стрелять каждым отдельным шариком тут не нужно. Достаточно повернуть рукоятку, и шары полетят вверх один за другим, как пули из автомата. Дэдзи-пати — сокращенное и приспособленное под японское произношение словосочетание digital pachinko. Соответственно, игрой тут управляют компьютерные схемы. Результаты игры появляются на экране в центре автомата, где изображены три вращающихся барабана. Совпадение значков на барабанах приносит выигрыш. Тогда аппарат начинает звенеть, свистеть, мигать огнями. А пати-суро отличается тем, что в прорезь надо забрасывать не шарики, а жетоны, также покупаемые при входе или в самом автомате.

Игроки и игра

Найти салон патинко довольно просто. Они есть на всех оживленных улицах городов и деревень, у каждой станции метро, у остановок автобусов, рядом с супермаркетами. Другими словами, в каждом квартале. По всей Японии их насчитывается более 18 тысяч. При такой конкуренции салоны патинко должны бы быть полупустыми. Но это — ошибочный вывод. Свободное место в салоне, конечно же, всегда можно найти, но и игроков там собирается немало.

Выделить возрастную группу или какой-то социальный признак игроков достаточно сложно. Здесь проводят время и молодежь, и старики-пенсионеры, и служащие. Как правило, в патинко играют мужчины. Но в последнее время хозяева салонов стремятся расширить свою клиентуру прежде всего за счет работающих женщин и домохозяек. При салонах появились детские комнаты, где на время игры кто-то из служащих присмотрит за ребенком, холодильники, куда на это же время возвращающаяся из продуктовой лавки женщина может сложить покупки. Один раз в неделю проводят «женские дни», когда мужчин в салон не пускают. В такие дни гремящий в салоне хэви-металл заменяют мягкими звуками музыки из популярных фильмов и угощают посетительниц чашкой бесплатного кофе.

Что может привлекать в этой достаточно примитивной игре, не требующей ни мозгов ни умения? Иные критики с ходу объявляют это развлечение «игрой для дураков». Внешне это, может быть, выглядит и так. Сидит мужчина, попыхивая сигаретой, держа руку на пусковой кнопке. Никаких движений. Только шарики или цифры мельтешат перед глазами. Позвякивают мечущиеся по полю шарики — клац, клац, клац. Для японского уха это звучит чуть по-другому — пати, пати, пати. (Отсюда и название игры.) Изредка раздается призовой звук фанфар, но это не меняет ничего — ни в позе, ни в выражении лица игрока.

Все дело не в механике игры и даже не в азарте. Подавляющее большинство приходит в салон просто отдохнуть. От изнурительной рутины конторского труда, от придирок шефа, от перебранок с женой (или мужем) и вечных проблем с детьми, от докучливых соседей, родственников, тещи, от давящего рекламой телевидения. Здесь, даже в людном салоне человек может ощутить себя как на необитаемом острове. Все заботы тонут, растворяются в звоне шаров и перемигивании ламп. И никто не стоит за спиной, не лезет с советами, не мешает думать — или не думать — о своем.

Нет, это — не игра для идиотов. Это место психологической разгрузки для трудоголиков, перепускной клапан для снятия накопившегося напряжения, возможность побыть наедине с собой. И бог с ним, с выигрышем!

А это значит, что в выигрыше остаются владельцы салонов патинко. Давайте посмотрим на цифры. В бизнесе патинко на постоянной основе заняты одна треть млн. человек, что втрое больше, чем в сталелитейной промышленности Японии. Патинко занимает нишу, охватывающую 40% индустрии отдыха в стране, включая рестораны и бары. У этих салонов — 30 млн. постоянных посетителей, что дает ежегодный оборот в 30 трлн. иен (больше, чем крутится средств в успешной автомобилестроительной сфере страны). Подсчитано, что каждый постоянный клиент оставляет в салоне в среднем 889 тыс. иен ($5300) в год. Это примерно две-две с половиной месячные зарплаты!

Считается, что столь доходным делом в Японии управляет северокорейская мафия. Но в игре можно обнаружить интересы концернов «Мицубиси», «Сумитомо», «Мицуи», крупнейших торговых домов, фирм, обслуживающих интересы коммуникационных систем. Мзду или, говоря мягче, отчисления на избирательные нужды от содержателей салонов получают известные политики. Деятельность салонов обязательно «крышует» не только мафия, но и полиция. На рынок патинко пытаются пробиться иностранные инвесторы.



В попытках обыграть машину

Там, где крутятся такие огромные деньги, не может не возникнуть желания обмануть судьбу и статистику. Самое простое — обхитрить электронику. На японских рынках запчастей для компьютеров легко можно найти небольшое устройство — магнитное или электронное, — способное заставить дэдзи-пати сбиться с такта и поделиться шарами. Чем сложнее становятся игральные автоматы, тем изобретательнее их взломщики. О такой возможности хорошо осведомлены владельцы салонов. За посетителями постоянно ведется наблюдение. Но если все провернуть в считанные секунды, можно унести добычу безнаказанно. Впрочем, судьба может повернуться и спиной, тогда не избежать расправы, прежде всего физической.

Гораздо сложнее выиграть, не нарушая правил. В стране появилась целая плеяда мастеров, готовых противопоставить свои знания и интуицию компьютерным программам игровых автоматов. Таких людей называют пати-пуро (pachinko professional). Методика у каждого своя. Иные предпочитают меряться силами только с ханэмоно, другие с пати-суро. Главное — не прекращать игры, пока не придет удача. Но и не быть жадным. Уметь вовремя остановиться.

Как правило, секрет кроется в наблюдательности. Каждый вечер пати-пуро обходит излюбленные салоны, отмечая, какие автоматы чаще выдают призы. Обычно такие автоматы стоят ближе к входу (звуковые и световые сигналы выигрышей привлекают в салон новых клиентов). Особенно щедрой для клиентов бывает техника во вновь открываемых салонах, ведь миражами легких выигрышей можно переманить к себе клиентуру. Частота выигрышей, конечно же, достигается специальной регулировкой. В воскресные дни, когда наплыв желающих поразвлечься растет, шанс на выигрыш уменьшают, в обычные дни, опять же для привлечения клиентов в пустеющий салон, увеличивают. В механических системах регулировку проводят каждый вечер, в электронных — раз в три-четыре дня. Значит, профессиональному игроку надо успеть поиграть с намеченной «жертвой» в этот промежуток.

Вот почему к 10 часам утра, когда открываются игровые салоны, у их дверей выстраиваются очереди. Пати-пуро, или люди, считающие себя таковыми, стремятся занять место у приглянувшегося аппарата. Если вывод о «податливости» автомата был верным, можно часа за три выиграть около 100 тыс. иен ($850). О таких случаях довольно часто сообщает местная пресса. Ведь это тоже помогает рекламировать тот или иной салон. О проигравших не пишут. Это рутинная, никого не волнующая информация. Но средняя «добыча» для пати-пуро — 10 тыс. иен со стартовой суммой в 2 тыс. иен. Прожить на такой доход можно, но скромно. Миллионами Монте-Карло или Лас-Вегаса здесь не пахнет, но для страны, еще не преодолевшей последствия длительной экономической депрессии, и это — как манна небесная.

Тем, у кого интуиция не так развита, любой книжный магазин может предложить «Руководство» — как выиграть в патинко. Издается почти два десятка журналов, где весьма наукообразно вычисляются шансы обыграть автомат с конкретными рекомендациями для этого. Раз есть такой набор советчиков, значит, интерес к данной теме достаточно велик. Но не будем обманываться. Вся материальная часть салонов патинко запрограммирована на неминуемый проигрыш для клиента и безусловный выигрыш для предпринимателя.



А. Лазарев

@темы: Культура, Игры

---

Дорогие ПЧ

а кто умеет делать авики?

Так захотелось сменить, а не на что

---

КАК ДУХИ ПОМОГАЮТ СОХРАНИТЬ ПРИРОДУ

В дневные часы, находясь в светлых и теплых современных зданиях, многие смеются над верой в духов и фантастические существа. Но когда те же самые люди оказываются одни на темной проселочной дороге в ночные часы, их отношение меняется достаточно быстро. Страх перед темнотой и неизвестностью является естественным для психологии человека, именно поэтому романы и фильмы ужасов пользуются такой устойчивой популярностью.



В далеком прошлом, задолго до появления электричества и телевидения, этот страх был намного сильнее. В космологии всех народов горы, леса, источники и озера населялись могущественными и фантастическими духами, которые были потенциально опасными для человека существами. Сейчас эти верования кажутся примитивными, однако во многих случаях они играли жизненно важную роль в поддержании равновесия между хозяйственной деятельностью человека и окружающей его природой.



Возьмем, к примеру, мифологический персонаж по имени Ямауба, или Ямамба, - ведьму горы - одно из типичных японских фантастических существ "ёкай". Легенды, связанные с Ямаубой, обнаружены в каждом районе страны. Чаще всего Ямауба изображается уродливой старухой, живущей в пещере высоко в горах. Эта старуха иногда нападает на людей и съедает их, если они забредают в ее владения. Опасаясь Ямаубы, местные жители, в том числе лесники и охотники, не заходили на определенные участки гор, сохраняя тем самым часть природы в ее первозданном виде.



Иногда Ямауба покидает свое горное святилище и посещает ближайшие деревни. Тем, кто относится к ней с почтением, Ямауба дарует большую удачу в делах. Однако Ямауба без колебаний применяет свои мощные чары, насылая страшные проклятия на тех, кто ее чем-либо прогневит.



Вот одна из наиболее популярных легенд о Ямаубе, в которой наглядно прослеживается ее роль защитницы окружающей среды.



Давным-давно в области Ивами (современная префектура Симанэ) уродливая старуха Ямауба жила в скалистой пещере у вершины горы. Склоны этой горы были покрыты густым лесом. И хотя старуха любила лес и почти не покидала свою пещеру, время от времени она спускалась в соседнюю деревню.



Однажды старуха зашла в дом бедного ткача и попросила чашку риса. Добрый хозяин и его жена, несмотря на нужду, с радостью накормили старую женщину. Они сказали старухе, что она может съесть столько риса, сколько пожелает, но старуха настаивала только на одной чашке.



Она с жадностью доедала остатки вкусной каши и чмокала губами от удовольствия. Закончив есть, старуха спросила у ткача, может ли она помочь ему прясть шелковую нить. В душе ткач засомневался, что старуха сможет справиться с такой трудной задачей, но все же усадил ее перед крутящимся веретеном. Старуха не разгибаясь проработала весть день, однако сумела намотать лишь маленькую катушку ниток. Однако ткач вежливо поблагодарил ее за труд.



На следующий день, когда ткач и его жена начали измерять длину нити, они были поражены. Катушка, которую намотала старуха, была небольшой по размеру, но нить тянулась на сотни метров, причем была столь прекрасна и столь прочна, что удивился даже искушенный в ткацком деле мастер.



В этой же деревне жил помещик, которому принадлежали земли всей округи. Он был богатым и могущественным, но мелочным и жадным и всегда хотел иметь как можно больше денег. Однажды он посмотрел на гору и подумал: "Какое состояние я смог бы сколотить, если бы спилил все эти гигантские деревья и продал древесину!" И вскоре склоны горы наполнились эхом от звуков пил и топоров работников помещика.



Через несколько дней старуха снова появилась в доме ткача и опять попросила чашку рисовой каши. Но на этот раз она выглядела намного грустнее, чем прежде, и когда она закончила есть, собралась сразу уйти. Однако перед уходом она дала ткачу подарок - деревянную лопаточку "сямодзи", которой вынимают рис из горшка. Ткач принял скромный подарок, и старуха быстро исчезла в ночных сумерках. С тех пор она никогда не появлялась в этой деревне.



На следующее утро жена ткача взяла "сямодзи" чтобы разложить рис по чашкам на завтрак. У бедной семьи был маленький горшочек, но когда хозяйка зачерпнула из горшка две больших лопатки, риса в горшке не уменьшилось. Лопатка "сямодзи" была волшебной, поэтому независимо от того, сколько риса ею черпали из горшка, этот горшок оставался полным.



А в это время с жадным помещиком тоже происходили чудеса, но только другого рода. Независимо от того, сколько риса он накладывал в свой большой горшок, когда он открывал крышку, горшок был пуст. Вскоре, будучи не в состоянии кормить своих работников, он был вынужден отказаться от плана срубить все деревья на горе. Помещик начал беднеть и вскоре потерял все свое влияние ивласть.



А бедный ткач продолжал богатеть и вскоре стал старостой деревни. Он справедливо разрешал споры односельчан и тщательно заботился о деревьях на горе, которая и сегодня покрыта густым лесом.



Люди говорят, что где-то у вершины горы есть место, куда могут ненадолго заходить только посвященные и только в определенное время. Там и находится пещера, в которой до сих пор живет старуха Ямауба в окружении милых ее сердцу деревьев.

Кевин Шорт



Источник - Yomiuri, перевод - http://www.inopressa.ru



Нашел

Сергей Соломонов

@темы: Мифы и легенды, Культура, История, Природа