Сайт посвящен панорамным снимкам со всего мира

По ссыдке можно полюбоваться Японией http://www.360cities.net/area/japan

@темы: Разное, Фото

---

Национальные парки Японии. Никко.

Всего в Японии насчитывается 27 национальных парков и государственных заповедников. Есть парки , управляемые префектурами, и свыше 2 тыс. охотничьих заказников. На островном шельфе действуют около 40 подводных национальных парков .

В 150 км к северо-востоку от Токио расположен парк Никко (букв. «солнечный свет»). Это самый знаменитый и самый живописный из национальных парков Японии, занимающий огромную территорию (1402 тыс. кв. км). В нем есть живописные озера (самое красивое - Тюдзэнси, богато форелью или Чузенджи), 100-метровый водопад Кэгон и водопад Ширакумо, ущелья и горячие источники "онсэн" в обрамлении красивых святилищ Тосегу, Футаарасан, Рицуин и Тайюин. С XVII в. сохранились храмы, мавзолеи, молельни.





Однако, японские историки утверждают, что синтоистская кумирня действовала в Никко ещё в IV в. н. э. Как бы то ни было, в 767 г. на вершине потухшего вулкана было основано святилище Футарасан построенный в честь богов гор. Храм знаменит своими Тории - бронзовыми воротами. Его стены, а также Священный Мост Синкё через бурную реку Дайя, которая разделяет мир людей, живущих в городке, и мир духов, обитающих среди ярких творений рук человеческих, выкрашен в ярко красный цвет. Оригинальное сооружение, построенное в 1636 г. исключительно для посланцев императора и сёгуна, было уничтожено наводнением. Существующий мост сооружен в 1907 г.



Согласно легенде, храм с таким названием был построен еще в VII в., но был буддийским. Считают, что первоначально он был воздвигнут на вершине горы Нантай буддийским монахом Сёнин Сёдо, который и поныне почитается как человек, «открывший Японии Никко».
В древних преданиях рассказывается о том, что, когда в VII в. Сёдо прибыл в эти места, он заметил на вершине горы Нантайсан «пятицветные облака». Поняв это как божественное знамение, монах попытался подняться на вершину, но путь ему преградила горная река Дайя.
Сёдо стал молиться Будде, прося его о помощи. И вдруг он увидел на противоположном берегу старца в белоснежных одеждах. Это был Дух змей, по знаку кторого две змеи — красная и синяя — перекинулись над бурлящим потоком и образовали своими телами мост. В следующее мгновение этот живой мост покрылся ветками кустарника.
Монах переправился на другой берег, достиг вершины горы Нантайсан и воздвиг там буддийский храм.
Якобы в память об этом событии позднее через горный поток Дайя был перекинут деревянный мост, получивший наименование Синкё («Священный мост»).



Главная достопримечательность Никко — синтоистское святилище Тосёгу(Храм Восточного сияния) — место упокоения великого полководца и государственного деятеля сёгуна Иэясу Токугавы. Тосегу, включает 23 памятника архитектуры, в том числе знаменитую пятиярусную пагоду и храм Якусидо. Два года примерно 15 тыс. собранных по всей Японии мастеров трудились, строили, вырезали, золотили, лакировали, создавая этот яркий, великолепный комплекс, который не знает себе равных в истории японской культуры. Здесь украшено все, что только можно украсить. Многие японцы даже считают этот храм слишком вычурным и никогда не посещают его. Сам комплекс очень интересен, нетрадиционен набор построек. Как всегда есть несколько ворот, священный фонтан, пагода и кладовые, библиотека, барабанная и колокольная башни (барабанный бой символизирует радость/рождение, а колокольный звон - горе/смерть).
Одним из самых интересных сооружений считается священная конюшня - единственное не раскрашенное здание. В синтоистских храмах обычно содержалась лошадь, на которой «ездило» божество. Художественное оформление стен этого, казалось бы, сугубо служебного здания никого не оставляет равнодушным. Дело в том, что в средневековой Японии считалось, что обезьяны способны охранить лошадей от заболеваний. Поэтому стены Священной конюшни богато декорированы резьбой по дереву на темы различных событий из жизни обезьян, но весьма назидательных для людей. На одной из панелей представлены обезьянки, иллюстрирующие буддийские заповеди. Наибольшая слава досталась трем из них символизирующим правила «не видеть ничего дурного, не слышать ничего дурного, не говорить ничего дурного».







Святилище Тайюин - этот величественный храмовый ансамбль был завершен в 1653г., вписан в довольно крутой склон, и посетителям приходится преодолевать большие лестничные подъемы, минуя ряд промежуточных ворот. Сегодня это одна из главных достопримечательностей Никко. Постройки Тайюин конструктивно повторяют образцы Тосёгу. Их декоративная красочность не менее нарядна, но при этом весьма сдержанна, что способствует их более органичному вписыванию в лесной фон окружающих гор. Ворота Нитэнмон мавзолея Тайюин являются самыми большими воротами в комплексе. В боковых нишах размещены фигуры буддийских небесных охранителей.

Храм Риннодзи - это самый первый храм, построенный в Никко (766г.) принадлежит буддийской секте Тэндайсю. В прошлом настоятелями этого храма становились лишь мужчины, принадлежавшие к императорской семье. Здесь находится зал трех Буд - Санбуцудо Внутри расположились три трехметровых изваяния святых буддийского пантеона, восседающих на лепестках лотоса. В центре — Будда Амида-Нёрай, справа — тысячерукая Каннон (на самом деле у статуи 40 рук, но каждая из них наделена способностью утолять 25 печалей), а слева — Бато-Каннон, покровительница животных, о чем напоминает головка лошади, врезанная в лоб статуи. Местные гиды любят показывать посетителям два великолепных бронзовых фонаря, преподнесенных святилищу Тосёгу в XVII веке. Дарителями были торговцы шелком из Осаки и Нагасаки. Но в средневековой Японии купеческое сословие считалось неблагородным, в социальном плане они находились даже ниже крестьян. Поэтому и подаренные фонари, несмотря на их изысканность, были установлены поодаль от Тосёгу на территории храма Риннодзи. Позади зала находится Соринто, являющийся символом мира бронзовый столп с девятью кольцами, в котором находится 1000 сутр (буддийских писаний). Также здесь находится удивительная Сокровищница - Хомоцудэн, располагает удивительной коллекцией храмовых сокровищ, восходящих к периоду Эдо. Позади нее находится живописный японский сад Сёёэн, хорошо спланирован так, что он красив во все времена года.



Кэгон - знаменитый водопад, образовался в результате извержения ныне потухшего вулкана Нанатай и спускается каскадом со скалы высотой около 100 м. В скале есть лифт, на котором можно спустится к наблюдательной площадке, у подножия водопада.



Художественный музей Тосёгу хранит драгоценности, мечи и доспехи, которыми пользовались сёгуны Токугава. Также, здесь хранится выдающая коллекция расписанных дверей и панелей, которые создали в начале ХХ в. Ёкояма Тайкан и другие выдающие мастера. (дощечки с пожеланиями)

Святилище Такиноо посвящен женскому божеству и привлекает женщин и вообще всех, кто добивается любви. Если забросить камень через отверстие в верхней части тории на территорию святилища, ваше желание сбудется.

В празднествах, фестивалях и многолюдных процессиях, проводимых ежегодно в Никко, можно наблюдать все тот же синкретизм религиозных представлений японцев, тесное переплетение буддизма, синтоизма, культа предков, а порой и более древних верований. Одним из наиболее грандиозных празднеств храма Тосёгу является фестиваль Сэннин-гёрэцу («Процессия, состоящая из тысячи человек»), который проводится в Никко ежегодно 17–18 мая уже более 350 лет, начиная с 1617 г. Первоначально эти многолюдные процессии устраивались с единственной целью — увековечить память о великом сёгуне.

Во все времена года люди приезжают в Никко любоваться цветами. В самом конце зимы неподалеку от деревянного строения старинного храма Рицуин (VII в.) первыми зацветают японские сливы. В середине апреля сливу сменяет цветущая сакура. Здесь, около Рицуин, есть и 200-летние вишневые деревья. Их цветы имеют своеобразный золотистый оттенок. Это особый, редкий вид сакуры — конгосакура.

Множество людей приезжает в Никко осенью для того, чтобы наблюдать красоту пламенеющей листвы кленов. Обычай любования алыми листьями кленов, момидзигари, восходит к осеннему празднику урожая. Когда-то в старину после уборки урожая жители деревень собирались вместе, водили хороводы, украшали друг друга венками из алых листьев, ветвями кленов убирали свои дома. На этих празднествах складывались песни о красоте природы, о любви.

Никко настолько живописный, что в Японии существует поговорка: «Не говори кекко („великолепно“), пока не увидишь Никко».

@темы: История, Природа, Фото, Культура, Архитектура

---

Сашико. Японское искусство вышивки.

Традиционная японская вышивка сашико насчитывает не одно тысячелетие.



Техника вышивки заключается в том, что ткань в несколько слоёв простёгивалась вместе "вперёд иголкой".
Изначально в этой технике крестьяне и рыбаки северной Японии шили себе стеганую и утепленную одежду. Несколько слоев зачастую поношенной и вытертой ткани простегивались в одно полотно, а узоры и мотивы таких стежков передавались из поколения в поколение и сейчас приобрели уже только декоративное значение. Средневековым японским беднякам не разрешалось носить никакой другой одежды, кроме той, что была цвета индиго, поэтому традиционно сашико выполняется на темно-синей ткани белыми нитками.
Потом появились различные геометрические узоры, и Сашико превратилось в искусство.
Сейчас вышивкой Сашико украшают, в первую очередь, традиционную одежду - кимоно, юката, используют также для украшения сумочек, косметичек и т.д.
В переводе с японского слово "сашико" означает "маленький прокол". А имя Сашико с японского означает "большая удача" или "большое счастье". В Японии верят, что вышитые узоры отпугивают злых духов и привлекают богатство и удачу. Однако постепенно у сашико появился и другой смысл. Теперь это занятие считают своего рода медитацией.

Если купить книгу то можно узнать, что такой мотив называется асаноха , или лист конопли. По словам автора, Сьюзан Бриско, это самый популярный узор в вышивке сашико. Впервые он возник в Китае, где ассоциировался с буддизмом и символизировал свет - солнечный или внутренний свет души. Долгое время хлопковая ткань была недоступна для простолюдинов, которые носили одежду из пеньки - волокон конопли. У этого узора имеется масса вариаций. Чаще всего он использовался на детской одежде и одеяльцах, пеленки для новорожденных также вышивали этим узором в надежде, что малыш вырастет таким же крепким, как это растение. Лист конопли также символизировал пожелание здоровья.
Мотивы для вышивки можно взять тут - http://club.osinka.ru/viewtopic.php?t=769

@темы: История, Фото, Быт, Ремесла

---

Ну и для тех, кому не спится ))

Автор фото М. Мураками

@темы: Разное, Фото

---

Фамильные гербы - моны

Японские гербы "мон" первоначально были эмблемами "благородных родов". Но в XVII-XVIIIвв. своими гербами обзавелись все сколь-нибудь заметные городские семейства - торговцы, актёры, содержатели гостиниц и ресторанов и др. Многие японские фирмы продолжают использовать их до сего дня.




ГЕРБЫ фамильные (мон, монсё) — наносились на знамена, доспехи, одежду или другие предметы. Наибольшее распространение получили в период существования сословия самураев. Позже стали использоваться японскими компаниями как торговая марка и фирменный знак.

Геральдические эмблемы Японии, как правило, имели исключительно законченную и лаконичную эстетическую форму, отличающуюся в этом от обычно вычурных европейских рыцарских гербов. Сюжетами для самурайских гербов могли быть небесные светила и элементы звездного неба, предметы культа и геометрические фигуры. Наиболее популярные темы — растения, цветы и деревья, изображения птиц, животных.

Самые первые мон возникли как часть дворцовых костюмов аристократии в периоды Нара (710–794), Хэйан (794–1185). В отличие от европейских рыцарей, японские обладатели мон носили их не только на доспехах и парадной форме, а практически на всех принадлежностях верхней одежды на специально определенных для этого местах. Такая одежда с гербами называлась «монцуки». В соответствии с правилами герб нашивался на одежду в пяти местах: на спине, между лопатками, на груди (справа и слева), на обоих рукавах. Известны случаи, когда вся одежда была покрыта вытканными или нанесенными краской фамильными гербами.

Фамильный герб представлял собой большую ценность для самурая, так как он был элементом родословной воина и передавался по наследству вместе с именем. Многие из родовых гербов имеют древнее происхождение.

В качестве собственно гербов стали использоваться в период феодальных войн начала XII в. как знак, позволяющий отличать своих воинов от чужих, первоначально они располагались на флагах, затем на доспехах, оружии, конском снаряжении.

Между XIV и XVI столетиями военные роды сильно выросли в количественном отношении, а более крупные древние кланы распались на множество мелких. Фамильные гербы при этом также претерпевали большие изменения. Их становилось все больше, выглядели они все сложнее и запутаннее. Причем слияние некоторых семей также вело к усложнению герба. Ведь в случае объединения двух кланов, имевших достаточно простые мон, новый герб состоял обычно из слияния обоих старых. Если же кланы неоднократно делились или сливались, то рисунок включал части всех мон и становился и вовсе запутанным. Получалось, что у некоторых крупных самурайских семей родовой мон включал в себя до 10 гербов более мелких родов, поглощенных в результате различных политических, военных или семейных акций.

Первые встречающиеся в литературе иллюстрации с изображением родовых гербов самураев относятся к периоду сёгуната Муромати (1333–1568). К началу ХVI в. уже было известно около 250 сохранившихся до наших дней мон. Во время правления сёгуната Токугава (1603–1868) правящие самурайские круги предприняли определенные шаги по фиксированию существующих на то время гербов, и было принято решение о периодическом издании свода всех геральдических изображений Японии (букан). Мирные условия сёгуната Токугава способствовали упрочению устоявшейся системы геральдики и ее упрощению, эстетизации, популяризации и развитию. Военные гербы все чаще наносились на гражданскую одежду, появились некоторые закономерности и даже стиль в оформлении мон. Большинство из них стали симметричными и изображались в виде какого-либо орнамента. В качестве базового рисунка в то время часто использовался круг, внутри которого и изображался собственно сам герб.

Помимо самураев гербы также имели куртизанки, актеры Кабуки, торговцы и представители других сословий. Во многих случаях мон использовался как торговая марка, особенно в период укрепления торгового сословия. Рисунок гербов со временем становился все лаконичнее и, как это ни парадоксально, все чаще напоминал мон времен Хэйан. Предельно сжатая форма выражала суть герба гораздо лучше, чем запутанные графические аналоги. В период Эдо черно-белые каталоги мон стали выходить регулярно, и сейчас они являются источником ценной информации о родственных связях Японии той эпохи.

Долгая эволюция японских гербов не закончилась с завершением феодальной эры. Многие семьи продолжали и продолжают использовать фамильные гербы в повседневной жизни. Число различных вариантов мон стало насчитывать от 4 до 5 тысяч рисунков, большинство которых были производными от основных 250 гербов эпохи средневековья.

@темы: История, Фото, Культура, Традиции и обычаи

---

Мое самое любимое зрелище - фейерверки!

нашла на mith.ru

@темы: Разное, Фото

---

Всем, кому не спится ))

Красивая ночная Япония

@темы: Разное, Фото

---

Женщины в Синто

Д-р Харуко Окано

Исторические сведения о роли женщин в Синто

Ниже приведен фрагмент книги д-ра Харуко Окано (Dr. Haruko Okano) "Die Stellung Der Frau Im Shinto, изданной Otto Harrasowitz-Wiesbaden. Д-р Харуко Окано - профессор этики феминизма и религиозных исследований в Национальном Университете г. Хиросима, Япония.

Мы переходим к типологической классификации форм проявления женщин в религии Синто. Первое такое проявление – это обожествлённые женщины. Обожествление человеческих существ не необычное в природных религиях или во множестве народных верований, всё ещё остаётся чертой пантеона Синто. Существует четыре группы обожествлённых человеческих существ: 1) уже умершие, 2) харизматические личности, такие как особенно сильные императоры и императрицы, герои и учёные, 3) умершие в несчастье, 4) харизматические девственницы, давшие жизнь божественному младенцу после мистического соединения с божеством.

Другое проявление это женщина человек, но просто потому что она женщина, считается, что она находится в близкой связи с таинственными и опасными силами. Естественные менструальные функции, зачатие и рождение рассматриваются как проявления действия чудесных и волшебных сил, которые делают женщину особенно подходящей для религиозного служения. В человеческой сфере религиозной жизни мы находим следующие типы: 1) целительницы, знахарки, 2) провидцы, гадалки и пророчицы, 3) жрицы, 4) музыкантши или танцовщицы, 5) священные проститутки. В Синто женщина появляется во всех этих обличиях и под разными именами.

Харизматические женщины оказавшие огромное формирующее влияние на древнее Синто как правители, провидцы, жрицы, повитухи или танцовщицы продолжили свою жизнь в истории: 1) как официальные жрицы или танцовщицы Кагура в храмовом Синто, 2) как призывающие духов или бродячие артисты, не зависящие ни от какой религиозной организации, 3) как основательницы «новых религий» или другие учителя в религиозных организациях. Вторая из этих групп это та группа, в которой лучше всего сохранился характер древнего Синто, хотя на неё оказали сильное влияние буддизм и китайская доктрина инь и ян. Третья форма это относительно новый феномен, а вторая постепенно отмирает.

Несмотря на разнообразие рассмотренных нами женских персонажей, у всех них есть несколько общих характеристик, помимо жрицы в современном храме Синто, и их можно суммировать, как «характер Мико».

1) Предпочтительно, Мико должна быть девственницей.

2) Мико ощущает своё призвание неожиданно и спонтанно, по причине своей природы или наследует это призвание вместе с харизмой.

3) Мико в основном асоциальны и живут уединённой жизнью. Но в беспокойные или кризисные времена они появляются как благотворные персонажи.

4) В древнем харизматическом королевстве Мико выступали в качестве посредников и центральных фигур религиозной жизни.

5) Для Мико самым типичным образом установления контакта с божеством является Каму-гераки (одержимость).

6) Благодаря посредническим функциям Мико она может идентифицироваться с божеством, а может и обожествиться сама.

7) Мико могут быть одержимы не только духами божеств или животных, но и бестелесными духами живых или мёртвых. Таким образом, Мико близко связаны с фамильными культами и культами мёртвых, особенно в народных верованиях.

8) Что касается общественного положения, что Мико одновременно уважают, боятся и презирают.

Эти общие характеристики Мико напоминают шамана. Здесь возникает вопрос, можно ли называть Мико шаманами. Для того, чтобы обсуждать шаманизм в Японии, нужно сначала определить шаманизм вообще, ведь этот феномен принимает многие формы. Шаманизм – это религиозный и социальный феномен мистической, магической или даже эзотерической природы, вера в то, что наделённые особой силой люди могут в состоянии экстаза входить в мир духов для получения особенных услуг.

Таким образом, можно сказать, что Мико в древнем Синто и основатели сект в наше время проявляют шаманистические черты, помимо понятия о том, что их души входят в мир духов. Храмовые Мико, включая и Кагура Мико в православной традиции, и неофициальных, независимых Мико вне организованного Синто, не знающие ни истинного призвания, ни истинного экстаза, можно называть псевдо-шаманами не зависимо от схожести их общественных функций. Если можно говорить о шаманизме древней Японии, то он продолжается женщинами. По мере превращения преимущественно матриархального общества в патриархальное, и становления Синто всё более организованной структурой, роль шаманизма в Японии уменьшалась. Под влиянием изменяющихся политических и социальных условий и чуждых религий, он, не развивая собственной философии и обрядности (в отличие от шаманизма Сибири), изменил свои формы и за некоторыми исключениями постепенно исчез с исторической арены и растворился в народных верованиях.

Перевод с английского: Ярослав Морозов

Мико исполняет Кагуру



Еще картинка тут - http://archive.diary.ru/~chichiri/?comments&postid=15158027#more1
Еще по теме тут - http://woman.upelsinka.com/history_sin.htm

@темы: История, Фото, Религия, Культура, Мужчины и женщины, Мифы и легенды

---

Дарума - исполнитель желаний

Дарума (Бодайдарума) – японское сокращённое произношение имени Бодхидхармы (?–528), основателя буддийской школы дзэн. В 510-е годы он отправился в Китай, где основал во владении государя У-ди (502–556) из династии Лян, в горах Суньшань, монастырь Шаолин. В этом монастыре, по преданию, в течение девяти лет он предавался медитации, созерцая стену. В 528 г. он умер, передав сокровенное учение дзэн так называемому патриарху дзэн Хуй-кэ.







В Японии учение дзэн, так же, как и сам основатель учения, известны с середины XII в. Начиная с периода Муромати (1335–1537) дзэн-буддизм приобретает особую популярность. Изображение Дарумы часто встречается в искусстве. Существовала даже особая форма кукол – Дарума-нингё. Обычно Даруму изображали с выпученными глазами и без рук и ног, что должно было намекать на девятилетнюю медитацию патриарха, в течение которой по легенде у него атрофировались руки и ноги.



Современный облик дарумы сложился примерно 200 лет назад, когда она стала похожа на нашу неваляшку. По традиции даруму окрашивают в красный цвет – под одеяния священника, но иногда раскрашивают и в жёлтый или зелёный цвета. Интересной особенностью является то, что у дарумы нет зрачков, но остальные черты лица сохранены.





В настоящее время дарума помогает в исполнении желаний – ежегодно сотни и тысячи японцев участвуют в новогоднем ритуале загадывания желаний: для этого даруме закрашивают один глаз, а на подбородке часто пишется имя владельца. После этого она ставится на видное место в доме, рядом с домашним алтарём. Если к следующему новому году желание сбывается, то даруме дорисовывают второй глаз. Если же нет, то куклу относят в храм, где сжигают и приобретают новую. Считается, что ками, материализовавшийся в даруме в благодарность за кров на земле постарается исполнить желание своего владельца. Сжигание дарумы в случае неисполнения желания является обрядом очищения, сообщающим богам, что загадавший желание не отказался от своей цели, а пытается её достичь другими путями. Смещённый центр тяжести и невозможность удержать даруму в склонённом положении указывают на настойчивость загадавшего желание и его решимость дойти до конца во что бы то ни стало.



Обычно дарумы продаются в храмах по цене от 100 рублей (за крошечных куколок размером до 5 см в высоту) до 11 тысяч рублей – за крупных, от 60 см и выше, кукол. Как правило, в год покупают только одну даруму и сжечь её в случае неудачи можно только в том храме, где она была приобретена – для этого на ней ставится печать храма.



Менее известны, но не менее привлекательны другие варианты этого типа игрушки, создаваемые в разных районах страны, - Мацукава Дарума (в виде самурая с густыми бровями), Онна Дарума (в образе женщины), Химэ Дарума (девочка-принцесса), Су-ми Дарума (из кусочка древесного угля), Санкаку Дарума (конической формы) и т.д.

@темы: Фото, Культура, Мифы и легенды, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки

---

Народная игрушка Кокэси

Кокэси не несут в себе никаких благопожелательных мотивов, но их популярность столь велика, что они стали одним из символов жизнестойкости и привлекательности национальной традиционной культуры. Кокэси - народная игрушка, состоящая из цилиндрического туловища и отдельно прикрепленной к нему головки, вытачиваемых на токарном станке. Несмотря на лаконичность, Высота колеблется от нескольких сантиметров до метра.







В Японии издавна сложились устойчивые центры народных художественных промыслов, такие, как Киото, Нара, Кагосима, которые сохранили традиции и в наше время. Каждая префектура, район имеет свои специфические оригинальные изделия народного творчества. Японская кукла Кокэси ведет свое начало с северо-востока страны, из района лесов и сельского хозяйства - Тохоку, окраины острова Хонсю. Хотя официальная дата "рождения" куклы Кокэси - середина периода Эдо (1603-1867), специалисты считают, что кукле уже более тысячи лет. Народные мастера сумели создать огромное разнообразие видов Кокэси.



По характеру рисунка лица, особенностям орнамента, украшающего туловище, можно определить происхождение и место создания куклы. В последнее десятилетие появились новые нетрадиционные формы Кокэси, отличающиеся тонкостью обработки поверхности дерева и деликатностью цветовой росписи.



Однозначного объяснения, каким образом сложился этот тип игрушки, нет. По одной версии, ее прототипом были шаманские фигурки, применявшиеся в обряде вызывания духов - покровителей шелковичного ремесла. По другой - Кокэси являлись своего рода поминальными куклами. Их ставили в крестьянских домах, когда приходилось избавляться от лишних новорожденных, так как родители не смогли бы их прокормить. С этим связываются такие факты, как трактовка слова "кокэси" - "вычеркнутое, забытое дитя", и то, что традиционные Кокэси всегда девочки, которые в крестьянских семьях были гораздо менее желанны, чем сыновья.



Более жизнерадостной версией выступает история о том, что в XVII веке в эти края, славящиеся своими горячими источниками, приехала супруга сёгуна (военного правителя страны), страдавшая бесплодием. Вскоре после этого у нее родилась дочка, что дало повод местным мастерам запечатлеть это событие в кукле.



В городе Наруго (префектура Мияги) ежегодно с 7 по 9 сентября проводится Фестиваль Кокэси. В первый день местному божеству в синтоистском храме посвящаются качественно выполненные куклы, а во второй - сжигаются все экземпляры с дефектами. И, конечно, в большом количестве всюду продаются эти обаятельные игрушки.



Оценить благородную простоту, гармонию форм и тонкие нюансы виртуозной росписи способны, конечно, только взрослые. Это относится и к современным авторским кокэси, появившимся после второй мировой войны. Создания профессиональных художников по форме и декору мало похожи на традиционные Кокэси, но их связывают не только неизменный материал - дерево, но и творческое видение образа, умение мастерски использовать каждую деталь, каждый штрих.

@темы: Фото, Культура, Мифы и легенды, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки

---

Японский фарфор.

Я полагаю, что самый краткий рассказ о японской керамике не может обойтись без упоминания о фарфоре. Первоначально фарфор (как и многое другле) был изобретён в Китае с целью имитации изделий из драгоценного нефрита. Техническое и художественное качество китайского фарфора в скором времени стало столь убедительным, что овладеть секретом мастеров Поднебесной стремился весь Восток, а впоследствии и Запад.



Не осталась в стороне и Япония. В 1656 г., после неудачи второго корейского похода, многие даймё, возвращаясь на родину, прихватили с собой в качестве трофея корейских гончаров, освоивших к этому времени производство фарфора. Но решение задачи оказалось сложнее, чем предполагалось. Сишком многое зависело от сырья и местных условий. И только благодаря настойчивости князя Набэсима Наосигэ, проявившего исключительную дальновидность, фарфор был наконец получен около 1616 г. в деревне Арита. Как утверждает легенда, корейский гончар Ри Сампэй после многолетних безуспешных поисков подходящего материала попросту подскользнулся на мокром склоне холма Идзумияма. Так был открыт идзумит - уникальный природный материал, представляющий собой практически готовую фарфоровую массу. (Вспомним, что глина легендарного китайского холма Као-линг, чтобы стать фарфором, нуждалась в добавлении кварца и полевого шпата.) Научиться работать с идзумитом оказалось непросто - он был очень капризен, и только к середине 17 века удалось достичь качества, при котором можно было решать ло-настоящему художественные задачи.







Сакайда Какиэмон, мастерская Арита,17 в. Чаша с надглазурной росписью





Дальнейшие достижения в этой области связаны с работой замечательного мастера Сакайда Какиэмона. Именно ему многие исследователи приписывают изобретение надглазурных красителей, а также разработку соответствующих приёмов декора.







Арита.,17в. Чаша с надглазурной росписью



Несмотря на то, что достижения Какиэмона по распоряжению князя держались в строжайшем секрете, производство фарфора с надглазурной росписью в скором времени началось в мастерской Кутани, а затем и в других местах. Впрочем, мастерские князя Набэсима в течение долгого времени первенствовали в отношении качества производимого фарфора. Это немудрено - ведь там производили не более 500 изделий в год, преимущественно для подарков, обычай поднесения которых влиятельным лицам был широко распространён в это время.







Мастерская Набэсима 17 в. Фарфоровая тарелка с надглазурной росписью



Мастерские князя Набэсима относились к типу "нива-гама" (садовая печь). Обычай устраивать подобные мастерские в саду, в непосредственной близости от замка распространился уже в 15 веке. Могущественные феодалы приглашали знаменитых мастеров, некоторые из которых в качестве признания их заслуг получали самурайское звание. Художники в таких мастерских обладали большей творческой свободой, а кроме того, не зависели от рынка, получая от феодала содержание в форме рисового пайка. От них требовалось только одно - создавать шедевры, и они это делали.







Мастерская Набэсима, 18в .Блюдо с надглазурной росписью



Художественное качество керамики Арита обусловила её высокую конкурентоспособность, и в конце 17 в. изделия мастерских Набэсима становятся важным предметом экспорта. Китайские джонки и голландские корабли спешили в порт Нагасаки, чтобы загрузить трюмы хрупким, но ценным товаром. В Европе японский фарфор становится модным и вызывает волну подражаний. И в самой Японии этот всплеск спроса не проходит бесследно: почти во всех крупных мастерских часть изделий, порой существенная, изготовляется специально на экспорт; формируется даже особый декоративный стиль - "старая Япония", соединяющий подглазурную и надглазурную роспись, а также роспись золотом, ковром покрывающую поверхность изделия. Могу на основании личного опыта заверить, что произведения этой эпохи в лучших образцах обладают ни с чем не сравнимым обаянием. Тонкие и изящные, продуманные до мелочей, вазы в стиле "нисикидэ" (парчовый) действительно кажутся драгоценными.







Пожалуй, нельзя говорить о японской керамике, не упомянув хотя бы несколько имён великих мастеров, сыгравших наиболее выдающуюся роль в её развитии. Это Хоннами Коэцу, Нономура Нинсей, Фурута Орибэ, Сано Сосин, братья Огата - Корин и Кэнзан, Аоки Мокубей и многие другие... Нономура Нинсей - керамист-любитель, живший в 17 в. и создавший собственный декоративный стиль.







Мастерская Шигараку, 17в. Нономура Нинсей, ваза с росписью глазуревидными красителямии и золотом



Нинсей не нуждался в средствах и не был связан экономической стороной ремесла, что позволяло ему решать исключительно творческие задачи. Переезжая с места на место, он работал в разных мастерских, вовлекая в орбиту своей кипучей деятельности многих гончаров. Не связанный цеховым запретом разглашать секреты, он свободно делился своими достижениями и собирал опыт других, что позволило ему создать на основе традиций киотских гончаров особую технику надглазурной росписи с использованием плавких глазуревидных красителей и золота.







Нономура Нинсей. Сосуд с надглазурной росписью 17.в





Керамика Нинсея - это очень тонкий кремовый фаянс с лёгким глазурным кракле и ярким эффектным декором. Влияние его на развитие японской керамики невозможно переоценить. Он сумел перебросить мост между "большим" искусством - современной ему живописью на золотом фоне, и росписью керамических изделий, сделав важный шаг на пути формирования цельной художественной системы японского искусства.







Отата Корин . Тарелка с подглазурной росписью



Аналогичную задачу, но в отношении классической живописи суми-э сумели решить братья Огата - Корин и Кэнзан. До тридцати лет они вели беспечную жизнь наследников богатого купеческого дома, чередуя развлечения с любительскими занятиями искусствами, но затем оказались перед лицом необходимости зарабатывать на жизнь. Корин взялся за живопись и в короткий срок стал аменитым художником, а Кэнзан построил печь Нарутаки и занялся керамикой. Знаменитые ширмы Огата Корина с ирисами - первое, что мы вспоминаем, когда заходит речь о японском искусстве. Но не менее значителен и его вклад в области керамики. Расписывая изделия в мастерской своего брата, Огата Корин сумел адаптировать стиль классической живописи суми-э с его недосказанностью к задачам декора керамики. Отказавшись от декоративных элементов, обычно применяемых, чтобы облегчить увязку изображения с предметной формой, Огата Корин, а вслед за ним и Кэнзан решают поверхность своих изделий как полноправную изобразительную плоскость, равноценную поверхности свитка или ширмы, и даже превосходящую их по интенсивности эмоционального воздействия.







Огата Корин. Тарелка с росписью в жанре э-ута 18 в.



Стоит обратить внимание на связь образного строя этих произведений с миром литературы и поэзии. На этом этапе завершается объединение живописи, керамики и литературы в единую образную и стилевую систему. Сам жанр, к которому принадлежат эти работы, носит особый характер. Ещё в эпоху Хэйан вошло в обычай устраивать поэтические игры, участники которых должны были по изображению на лицевой поверхности блюда угадывать стихотворение, написанное на его обороте. Тарелка Огата Корина с утками-мандаринками относится как раз к этому типу.



Дальнейшее развитие этой тенденции привело к возникновению жанра э-ута (картина- стихи), в котором произведение поэта и художника сливаются уже в неразделимое целое. Это стремление к цельности и кристаллизации художественного переживания и жизни на самом исходе позднего средневековья породило замечательные достижения, важные для всего человечества. Сменяются века, но ценность сделанного японским мастерами не убывает. Их произведения живут и находят им всё новых поклонников и учеников, готовых и в наше время следовать завету великого поэта: "Не тщись идти по пути древних, но ищи то же, что искали они".



Владимир Юделевич

@темы: История, Фото, Культура, Ремесла

---

О японской керамике.

История керамики началась в Японии более пяти тысяч лет назад искусством периода Дзёмон (3000-400 гг. до н.э.), и начало это было столь ярким, что трудно поверить, что племена охотников и собирателей могли создать столь сложные в техническом отношении и художественно совершенные произведения. Собственно термин "дземон" означает "витая веревка" и возник в связи с приемом изготовления этих крупных и сложных по форме терракотовых сосудов с использованием глиняных жгутов.







Назначение их, очевидно не хозяйственное, остаётся для нас непонятным, а форма настолько сложна, что не вяжется с нашими представлениями о примитивном искусстве. Право же, они прекрасно смотрелись бы на любой современной выставке без скидок на возраст. То обстоятельство, что обжиг этой керамики производился не в печах , а в ямах, заполненных древесным углём, отнюдь не упрощало работу древних мастеров, и вы согласитесь, что творения периода Дзёмон - это одна из неразгаданных загадок истории. Пожалуй, из всех памятников культуры Дзёмон наиболее известны так называемые статуэтки догу - стилизованные фигурки людей высотой около полуметра в фантастических одеяниях, которые некоторые исследователи считают изображениями инопланетян в скафандрах.







Около 400г. до н.э смена культур, связанная с очередной волной миграции, положила конец эпохе Дзёмон, но некоторые черты её искусства сохранились и продолжали жить спустя тысячелетия. Я имею в виду особое отношение к чистой, неглазурованной поверхности изделия, ощущаемой как ценность(то, что в Китае воспринималось бы как крайняя степень бедности), и особая экспрессия, почти гротескная выразительность форм, которая проявится потом в монументальной скульптуре, портретной пластике и нэцке..Возможно, также глубинным влиянием эстетики Дзёмон можно обьяснить тот факт, что только в тринадцатом веке глазурованная керамика смогла вытеснить терракоту, хотя изготовление глазурей было известно в Японии ещё с седьмого века н.э.



Изделия Бидзен относились к категории якисимэ - твердой тяжёлой керамики с прочным спёкшимся черепком (stoneware по современной классификации). Для их изготовления в глину добавляли уникальный местный материал - песок чёрного или зелёного цвета, а затем обжигали при температуре 1300 градусов в течении двух-трёх недель. Красящие окислы из песка за это время проникали в черепок, превращая его в однородную спёкшуюся цветную массу.







И в наши дни в Японии изготавливают чёрные, красные, синие и зелёные бидзен-яки, неизменно пользующиеся популярностью. Прошлое не умирает в Японии - оно живёт, благополучно соседствуя с настоящим..Ежегодный фестиваль керамики в г. Имбэ, само название которого означает на старояпонском "люди, делающие культовую посуду", собирает десятки тысяч гостей, получающих по случаю праздника возможность за небольшую плату сделать своими руками под руководством опытного мастера "настоящее бидзен-яки". Затем эти изделия обжигают в соответствии с древними традициями и рассылают заказчикам.



Общеизвестно, что развитие японского искусства во многом связано с влияниями с материка - Китая и Кореи, но сила японской культуры в том, что она переплавляет любое художественное воздействие по законам собственной эстетики, вкладывая в заимствованые формы своё содержаниё; и керамика - яркий пример этому. Во всем, даже в мелочах, в приёмах ремесла (хотя мелочи ли это?) японские мастера всегда самобытны и внутренне последовательны. К концу 13 в. в основном сформировались арсенал технических средств, система приёмов работы и способов организации производства, которые позволили спустя триста лет художественной керамике встать наравне с такими яркими достижениями японского искусства, как живопись на золотом фоне или лаковая техника маки-э.



Полагаю, было бы любопытно сравнить их с аналогичными китайскими. Начнём "от печки". В средневековом Китае обжиговая печь обычно представляла собой простой однокамерный горн с топкой, с прямым током воздуха и вытяжной трубой. Изделия обжигались в тиглях, защищающих их от засорки и дыма. В такой печи было очень нелегко выдержать нужный температурный режим и среду, которая на разных этапах обжига фарфора должна быть то окислительной, то восстановительной. Это требовало огромного мастерства и было сопряжено с немалым профессиональным риском; недаром возникла в Китае пословица "Загрузить печь - всё равно что выткать цветок; обжечь - что дом ограбить".







Обжиг фарфора в Китае



Японская обжиговая конструкция "нобору-гама" (поднимающаяся печь) напротив, представляла собой вереницу печных камер, объединённых током горячего воздуха. Обычно она располагалась на склоне холма, что обеспечивало тягу и без дымохода. Пожалуй, такая печь ближе всего стоит к современной тоннельной печи, с той лишь разницей, что в последней изделия, постепенно нагреваясь, движутся вдоль печи на роликах, а в нобору-гама изделия стоят в камере, а движется вдоль печи горячая зона обжига. Средневековые гончары решили эту задачу гениально просто: кроме большой топки в начале печи, каждая камера была снабжена своей собственной топкой. Когда заканчивается обжиг в первой камере, во второй изделия уже нагреваются почти до половины нужной температуры; затем вступает в действие вторая топка, доводя до конца обжиг в своей камере, затем третья, и так далее. Экономятся дрова, время, и кроме того, появляется возможность гибко регулировать температуру, обжигая изделия в каждой из камер по-своему. Специальная защитная стенка позади топки позволяет обходиться без тиглей, открывая массу возможностей, связанных с непосредственным действием пламени на изделия. Если упомянуть ещё о системе отверстий в сводах камер, позволявших регулировать окислительно-восстановительный режим обжига, становится ясным, что "нобору-гама" была уникальным для своего времени обжигвым устройством. Печи строились разных размеров и вмещали до 10 тысяч изделий., а обжиг длился от нескольких дней до недели.







Японская обжиговая печь нобору-гама



Следующий по важности, после печи, инструмент - гончарный круг. Здесь мы также видим массу различий. Китайский гончарный круг имел верхний диск диаметром около метра, а нижний - вдвое меньше. Подмастерье толкал его ногой, держась руками за верёвку. Мастер работал стоя, держа руки на весу. Если при этом ещё учесть, что по китайской традиции глиняная заготовка не приклеивалась к кругу, а стояла на слое тонкого песка, то становится понятным, что для работы в таких условиях необходима почти цирковая виртуозность.



Японский гончарный круг монтировался в неглубокой яме: массивный маховик и небольшой вершник сбалансированы на колу, вкопанном в дно, гончар сидит на краю ямы, опираясь руками о бёдра, в удобной позе, в общем соответствующей современной технике работы на круге. Всё просто, эргономично и максимально комфортно.

По китайской традиции, подсушенные изделия подвергались обточке, а затем сразу же глазуровке, минуя принятую в Японии (и во всём мире) стадию предварительного обжига. Нетрудно представить, сколько виртуозности требовалось, чтобы отглазуровать тонкостенную фарфоровую вазу больших размеров густой и тяжёлой китайской шпатовой глазурью. В ходу было чередование методов работы - вазу сперва окунали в чан с глазурным шликером, потом подсушивали и следующий слой наносили, разбрызгивая глазурь через бамбуковую трубочку, затянутую шёлком - и так до двадцати раз. Когда обдумываешь всё это, а тем более пробуешь повторить, невольно возникает ощущение, что патриархи китайского гончарства специально стремились усложнить процесс работы, делая упор на преодоление внешних трудностей и достижение механической виртуозности - виртуозности действительно впечатляющей, но в чем-то внешней и несомненно сковывавшей творчество художника-керамиста.



Я не хочу создать превратное впечатление о превосходстве японского прикладного искусства над китайским. Китай не только родина фарфора - он родина всех основных направлений развития восточного искусства и эстетической мысли; но отнюдь не всё заложенное в древности было реализовано именно на китайской земле. Я имею в виде слова Лао-цзы: " разве свойственно глине следовать циркулю и наугольнику?". Они не были услышаны на родине великого мудреца .Вся китайская керамика - это борьба за подчинение материала власти отвлечённой идеи, за стерильную чистоту геометрии. Но именно эта мысль легла в основу специфического японского подхода к пониманию красоты и совершенства в прикладном искусстве вообще и керамике в частности. Конечно, среди продукции любой из японских керамических мастерских большее или меньшее место занимали изделия в китайском духе - т. н. "карамоно", но первенство всё же принадлежало противоположной тенденции. Мы попробуем обрисовать её в самых общих чертах на примере керамических изделий для чайной церемонии, созданных в 16-18 веках.



Выдающиеся мастера чайной церемонии оказывали большое влияние на стиль современной им керамики. . Они не только разрабатывали эстетическую теорию, но зачастую, как Фурута Орибэ, сами руководили керамическими мастерскими. Их роль в развитии японской керамики невозможно переоценить.При всех различиях школ и индивидуальностей можно сказать, что они выработали некий общий подход, который мы постараемся суммировать.



Прежде всего этот подход предполагал естественность, следование природе материала. Если пластичной глине свойственно сохранять отпечатки пальцев мастера, оплывать или наоборот, растрескиваться, то эти её свойства следует положить в основу образа будущей чаши. Если приём формовки оставляет на изделии следы своего применения, то их также следует беречь. (Напротив, в китайской традиции все следы работы тщательно скрываются).







Мино, 16 в. Чаша-тяван



Затем - простота. Вполне в духе того же Лао-цзы, сказавшего: "Самой мудрый внешне во всём подобен самому глупому", японские мастера чайной церемонии Сэн-но Рикю, Кобори Энсю и Фурута Орибэ за образец для разрабатываемого ими нового стиля прикладного искусства, соответствующего духу чайного действа, избрали простые изделия деревенских гончаров. Разница заключалась лишь в том, что присущие шедеврам этого стиля дефекты и неровности, их подчеркнуто простой - порой всего несколько пятен глазури - декор выражали глубокое духовное содержание, которое невозможно было бы передать самым пространным повествованием. Если китайский фарфор - это яркий и красочный рассказ, то японская керамика - это ещё более красноречивое молчание.







Мино, 17в. Чаша-тяван



Форма изделий, в отличие от китайской традиции, чаще была подчеркнуто-неправильной, ассимметричной, и это асимметрия, отчасти свойственная природе керамического производства, когда изделие в процессе сушки и обжига неизбежно в той или иной степени деформируется, была осмыслена как пластическая ценность.







Ига, 17 в. Ваза для цветов



В арсенале средств, которыми пользовались японские мастера, очень велика была роль дефектов. Пузыри и трещины глазури; вздутия глины и термические разрывы черепка - всё то, что китайцы воспринимали бы как неустранимый брак, использовалось японскими мастерами как художественные эффекты, которые они применяли с большим вкусом и величайшим искусством.







Хоннами Коэцу, а вслед за ним мастера его школы, например, нарочно добивались растрескивания своих знаменитых чаш за счет резкого повышения температуры обжига, а потом с удовольствием заполняли эти трещины золотом, справедливо полагая, что только это придаёт чаше по-настоящему неповторимую индивидуальность. Удивительно или нет, но такие чаши изготавливают и сейчас, в полном соответствии с техническими приёмами и эстетическими идеалами 16 в.; а чаши самого Коэцу хранятся как величайшее сокровище, художественная ценность общенационального масштаба.







Школа Коэцу, 20 в., чаша-тяван



Наконец, даже разбитая чаша отнюдь не считалась потерянной. В соответствии с той самой эстетикой, которая находила красоту, обыгрывая всевозможные дефекты, разбитую чашку с величайшей тщательностью склеивали с помощью золотого лака; благодаря чему она приобретала более богатую историю, а следовательно, ещё большую ценность.







Идо,17 в. Чаша-тяван. Фарфор, золотой лак



В случае, если чаша имела живописный или графический (обычно один-два иероглифа) декор, следовало стремиться к простоте; которая позволяла бы добиться предельной выразительности тщательно отобранных мазков и линий, немногими словами высказать многое.







Нономура Нинсей.,17в. Тяван. Фарфор, роспись



Глазурный декор напротив, мог быть сложным, многослойным, как на керамических изделиях мастерских Раку. Эти прославленные чаши, как правило, формовались вручную, и покрывались несколькими слоями легкоплавких глазурей различного состава. Их взаимодействие при обжиге и порождало те уникальные декоративные эффекты, которые так высоко ценились японскими знатоками керамики.







Раку, 19в. Чаша-тяван



Большое значение придавалось также разного рода специальным эффектам, связанным с градацией температуры в разных частях печи, и также окислительным или восстановительным режимом обжига. Японские керамисты как никто умели использовать такие случайные и на первый взгляд непредсказуемые явления, как задымление или пережог. Кроме того, применялись особые приёмы, такие, как обёртывание глазурованных изделий сосновыми ветками, оставлявшими при определённом режиме обжига следы в виде многочисленных цветных точек(узор "сосновые иглы"), обвязывание соломенными верёвками, и так далее.







Ига, 17 в. Шкатулка в виде краеугольного камня



Задаче создания остро индивидуальных неповторимых произведений соответствовали и методы формовки. Чаши обычно формовались вручную, вытягиванием из комка глины, таким образом, чтобы сохранять не только отпечатки рук мастера, но и след его души. Изделия оригинальной формы, стилистически связанные с чайной церемонией - вазы для цветов или шкатулки - такие как эта, в виде краеугольного камня, - формовались способом тэ-дзукури (рука-молоток) , а плоские изделия склеивали из слегка подсушенных глиняных пластин. Гончарная формовка применялась в двух вариантах: либо идеально ровная, совершенная по форме, либо подчёркнуто простая, "деревенская", со следами от пальцев гончара.







Орибэ, 16 в. Шкатулка в виде веера



И наконец, керамика для чайной церемонии всегда была очень взыскательна по отношению к зрителю. Ничего поверхностного, никакой внешней красивости, продиктованной стремлением понравиться. Непосвящённый, или человек с неразвитым вкусом просто пройдёт мимо. Настоящее искусство не раскрывает свою красоту случайному зрителю. Чтобы проиллюстрировать это положение, приведу известную притчу о том, как ученики Коборю Энсю хвалили его коллекцию чаш: "Каждая из них вызовет восхищение любого человека, в то время как коллекцией Рикю может восхищаться лишь один из тысячи." Огорчённый Энсю ответил: "Это значит лишь то, что я, глупец, обращал внимание на вкусы большинства, а великий Рикю собирал лишь то, что интересно ему. Воистину, он настоящий мастер чая".

Все сказанное выше позволяет понять, почему в японской культуре с 16 в и до настоящего времени бытует особое, трепетное и уважительное отношение к керамике как к художественной и духовной ценности непреходящего значения; и японская керамика в полной мере оправдала это отношение, создав произведения, уникальные по глубине и художественному совершенству.



Владимир Юделевич



Уроки мастерства - http://e-uta.haiku-do.com/lesson01.shtml

@темы: История, Фото, Культура, Ремесла

---

ВАСИ — традиционная японская бумага ручного изготовления.

Производство бумаги началось в Китае в начале II в. Впервые в Японию ее привез корейский монах в 610 г., в то время как странам Запада пришлось ждать еще более 500–1000 лет, чтобы овладеть искусством изготовления бумаги: в Испанию оно проникло в 1151 г., а в Голландию — в 1586-м.



За несколько столетий, прошедших со времени первого знакомства, японцы модифицировали китайскую технологию и создали собственные способы производства бумаги. Волокна, размоченные в воде, китайцы выливали на специальные сетчатые щиты-формы и давали воде медленно стечь, просочиться сквозь мелкие ячейки. Японцы же, напротив, энергично и умело трясли форму, чтобы волокна хорошенько переплелись между собой. И еще они стали добавлять клейкий растительный экстракт, который способствовал более плотному и прочному соединению волокон.



Японская бумага моментально приобрела популярность при императорском дворе в период Хэйан (794–1185). В те времена лучшие сорта японской бумаги по цене не уступали золоту. С тех пор такая бумага стала одним из наиболее популярных подарков.







Достаточно получить от японца письмо, написанное на бумаге “васи”, которая изготавливается вручную в городе Имадатэтё (префектура Фукуи), чтобы понять, что в нем идет речь о чем-то очень важном. Традиция изготовления высококачественной бумаги сложилась в Имадатэтё еще 1500 лет назад.



”Специалисты считают, что технология изготовления бумаги появилась в Японии в IV-V веках”, — рассказывает Масахару Кавано, директор местного кооператива по производству бумаги “васи”. Бумагу здесь начали изготавливать выходцы из Кореи, лодки которых сильное морское течение относило от Корейского полуострова к берегам Этидзэн — современной префектуры Фукуи.



”Все основные приемы изготовления бумаги, которые впоследствии стали применяться в Японии повсеместно, были изобретены именно в Этидзэне”, — говорит Хироаки Наито, руководитель производственного кооператива “Фукуи васи”. В настоящее время в Имадатэтё функционируют три крупных предприятия, известных под общим названием “Этидзэн васи-но сато” (“Родина “васи” из Этидзэна”), которые тщательно изучают историю бумажного производства в Этидзэне и обеспечивают ее изготовление для современного использовани.



На первый взгляд трудно даже предположить, что можно что-то сделать из смеси, состоящей из спутанных волокон и “нэри” — вязкой жидкости из корня растения торороаои или коры гортензии нориуцуги, которая прочно скрепляет волокна бумаги и придает ей эластичность и прочность. Кажется, что эта смесь более подходит для клейки обоев, чем для производства бумаги высококачественной фактуры, на которой можно писать.



Однако первое впечатление весьма обманчиво. Комплект прекрасных почтовых открыток, сделанных вами собственноручно, будет готов через 25 минут, после того как его разложат на золотой пластине и просушат при помощи большого фена для сушки волос.



Сначала бесформенная бумажная масса помещается на специальное сито и просеивается до тех пор, пока не примет ровную горизонтальную форму. Затем волокна плотно соединяются и превращаются в липкий лист бумаги.



Процедура просеивания, которая называется “нагасидзуки”, является самым важным элементом в процессе производства бумаги в Японии. Он существенно отличается от континентального способа производства бумаги по технике “тамэдзуки” — более простого метода сушки, в котором не применяется просеивание и тряска бумажной массы. ”Глядя на бумагу, можно сразу определить, при помощи какой технологии она была изготовлена. На бумаге, изготовленной по технологии “тамэдзуки”, остаются более грубые следы на месте соединения волокон”, — поясняет Наито.



Тщательно смывая избыточный материал с поверхности образующегося листа бумаги, техника “нагасидзуки” позволяет производить очень гладкую и эластичную бумагу.



”Производство бумаги в Японии имело собственные характерные особенности, — продолжает Наито. — Мастера, которые знакомились с технологией ее изготовления на континенте, прежде всего искали местные материалы, которыми можно было бы заменить отсутствующую на острове коноплю и другие растения. Японские мастера стали использовать тутовое дерево “кодзо” и другие волокнистые растения, такие, как “гампи” и “мицумата”. Еще одна особенность японской технологии — это применение “нэри” для связки бумажных волокон”.



Тип бумаги, который исторически наиболее связан с Этидзэн, называется “ториноко” — это тонкая бумага с гладкой поверхностью, сделанная из “мицумата”, и более толстая и плотная бумага — “хосё” из растения “ходзо”. Поскольку бумага из Этидзэн очень нравилась сёгунам династии Токигава, именно на ней написаны все исторические документы периода Эдо (1603-1868 гг.), который по праву считается золотым веком бумажного производства в Этидзэне.



Плотная бумага широко применялась и в традиционной архитектуре. Легкие конструкции из деревянных скользящих каркасов (“фусума” и “сёдзи”), на которые натягивалась бумага, выдерживали даже сильные тайфуны и землетрясения, которые безжалостно разрушали каменные постройки.







Но в настоящее время бумага “васи” применяется лишь в исключительно редких случаях.

@темы: Фото, Культура, Ремесла

---

Мидзухики - традиционное японское вязание узлов

Когда-то, давным-давно, а точнее, в 607 году, из Китая вернулось на родные острова японское посольство. Среди прочих диковин оно привезло подарок китайского правителя императору Японии. Сей дар Китая был уложен в ящик и закрыт крышкой, декорированной пышной розеткой, сплетенной из белых и красных шнуров. Эта китайская коробочка и положила начало японской традиции украшения подарков красными и белыми (или золотыми и серебряными) нитями. Из императорских покоев она шагнула в среду придворных, а оттуда мало-помалу проникла и в широкие круги японского общества.



С эпохи Хэйан (IX-XII вв.) в Японии для украшений такого рода используются тонкие цветные шнуры, сплетенные из длинных полосок раскрашенной японской бумаги васи и покрытые специальным крахмальным клейстером. Язык не поворачивается назвать эти произведения бечёвками, хотя по технологии изготовления это именно бечёвки.



Сначала мидзухики - так эти нити называются по-японски использовались только при императорском дворе, однако позже получили большое распростронение и среди населения. А уже с 1920-х гг. мидзухики начинают использовать в обряде бракосочетания, при трауре, при поздравлениях и т.д. Завязать конверт с помощью мидзухики по японской традиции означает закрыть свое сердце в конверте…



Теперь мидзухи стало одним из самых уважаемых традиционных искусств наряду с икэбана и оригами. Чаще всего в композициях мидзухики изображаются журавль и черепаха - известные символы счастья и долголетия, нередко встречаются растительные мотивы - цветы сакуры и сливы, ветки сосны и бамбука…





Сложную символику хитросплетений мидзухики дано разгадать не каждому, более того - даже не каждому японцу. Существует, однако, азбука "узловедения", которой владеет каждый уважающий себя японский человек. Первые три "буквы" такого "алфавита" изображены на рисунке.



Крайний левый, "глухой" узел называется по-японски мусуби-кири - что-то вроде "узел, который нельзя развязать", "узел, который можно только разрубить". Центральный узелок хорошо известен нам под названием "бантик", но в Японии он называется тё-мусуби - "узел-бабочка". Наконец, третий узел, который по-русски хочется назвать "улитка", носит японское название аваби-мусуби (аваби - это такой моллюск, он еще называется "морское ушко").



Каждый из узлов несет свой смысл. "Глухим" узлом завязывается конверт с деньгами в том случае, когда они преподносятся в честь события, повторение которого не предполагается - свадьбы, например.



"Бабочкой" ("бантиком") украшают конверт, когда хотят, чтобы данное событие повторялось снова и снова. Символика здесь проста и прозрачна: такой узел всегда можно развязать и снова завязать.



Улитка - универсальный узел, которым можно пользоваться всегда, надо только помнить, что если деньги вручаются в час радостного события, то свободные концы узла должны уходить вверх, в случае печального - чаще всего вниз. То же самое, впрочем, относится и к "глухому" узлу. Такова традиция…

@темы: Фото, Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки

---

Темари - исскуство вышивки нитяных шаров

Темари - это необычное слово широко известно во всем мире любителям рукоделия. Так называются традиционные японские вышитые шары, которые когда-то служили детской игрушкой, а теперь стали формой прикладного искусства, которое имеет множество поклонников не только в Японии, но и во всем мире.



История темари насчитывает уже несколько столетий.

В 8 веке в Японию из Китая пришла игра кемари (ножной мяч), в которую сначала играли только знатные люди. Мячи для игры были сделаны из кожи оленя и не отличались богатым декором. Позже игра стала более массовой. Известно, что в 13-16 в подобные шары использовались уличными жонглерами для представлений.



Видимо, к этому времени относится начало развития искусства темари в том виде, как оно известно сейчас. Игра кемари (ножной мяч) трансформировалась в темари (ручной мяч), и в эту игру стали играть девочки знатных фамилий. Поскольку мячики уже не пинали ногами, а обращались с ними аккуратно, стало возможным богато украшать их шелковой вышивкой. Темари стало искусством аристократии, и благородные дамы конкурировали в создании все более сложных и запутанных узоров. Женщины-служанки в домах самураев также соревновались друг с другом в умении вышить лучший подарок для своей госпожи.



Темари стали драгоценным подарком, их блестящие шелковые и золотые нити символизировали пожелания блестящей и богатой жизни. Темари были непременным атрибутом праздника девочек, во время которого девочки играли в особые игры с шариками, подбрасывая их со специальными ритмичными песнями. Когда дочери самураев выходили замуж, то, покидая родной замок, они брали с собой темари как талисманы и память о родном доме. Эти увозимые в новую жизнь темари даже имеют специальные названия.



Если сначала искусство темари было привилегией только высших слоев общества, то постепенно оно становилось все более массовым. В 19 веке с развитием технологий шелковые нити стали более доступны широким слоям населения и начался расцвет искусства. В каждом из многочисленных регионов страны были разработаны свои характерные узоры, которые потом передавались из поколения в поколение. Поскольку шелковые нити оставались все-таки дорогим удовольствием, то появились узоры, позволяющие использовать даже самые короткие обрывки нити. Для этих узоров используется не вышивка, а обмотка шарика нитью, которая может быть связана из отдельных кусочков.



В начале 20 века, с появлением резиновых мячей, интерес к темари пошел на убыль. Однако в середине 70-х годов, в связи со всплеском внимания к традиционным культурам, темари снова попали в поле зрения любителей рукоделия. Несколько хороших публикаций о темари на английском языке сделали это искусство известным далеко за пределами Японии, и оно стало стремительно набирать поклонников. Сегодня темари опять считаются в Японии дорогим подарком и традиционным сувениром, а во всем мире известны как необыкновенно занимательное рукоделие, имеющее множество фанатов.



Традиционно основа для темари изготавливалась из старых, отживших свое кимоно, которые рвались на полосы и сматывались в тугой клубок. Иногда основой для такого клубка служил мешочек с рисовой шелухой или деревянная бусина. Внутрь шарика может быть помещен колокольчик или погремушка, шнурок от которых иногда выводится наружу, если для получения звука надо дернуть за него.



Когда сформирована основа темари в виде очень плотного тряпичного шара, наматывается верхний слой декоративных ниток, по которым ведется собственно вышивка. Традиционные узоры, как правило, геометрические, иногда включающие элементы свободной вышивки. В любом случае работа над темари начинается с предварительной разметки шарика специальными нитями. Типов разметки очень немного, они известны веками, и все многообразие узоров построено именно на них. Традиционные темари использовали всего 2 вида стежков для вышивки и несколько приемов обмотки шарика, на основе которых выработаны типичные элементы дизайна, имеющие, кстати, собственные названия. Вариативность узоров достигается за счет различных комбинаций известных элементов и различного их расположения на узлах разметки.



Для современных темари иногда используются в качестве основы заготовки из пенополистирола, внутрь которых также могут быть вложены погремушки. Использование такой основы облегчает работу над темари, потому что для некоторых узоров очень важна точность разметки, и неправильность формы шарика, которая неизбежно возникает при сматывании его из ленточек, может создать трудности при его разметке. Тем не менее, мастера зачастую предпочитают традиционную рисовую шелуху, на которую еще, к тому же, иногда капают ароматические масла.



Средний размер темари - 5-12 см в диаметре, но встречались упоминания о 30 сантиметровом шарике (правда, не старинном, а сувенирном, недавнего времени). Определенной популярностью пользуются также маленькие темари, которые используются для украшений.



Часто темари снабжаются петлей для подвески сверху и декоративным узлом или кистью внизу.



Интересно, что если раньше старые кимоно служили основой для темари, то теперь сюжеты с изображением темари часто используются в экслюзивных шелках для новых кимоно. На фотографиях вверху - два фрагмента современных шелков с узором темари. Шарики украшены традиционным узором и на них видна разметка.



В процессе освоения искусства темари очень приемлемой заменой рисовой шелухе могут служить скомканные полиэтиленовые пакеты. Конечно, оно не так эстетично, зато, как сказано в любимом фильме "дешево, надежно и практично". Комок пакетов быстро формирует внутренний объем шарика, и ему довольно легко придать правильную форму, прижимая нитками "выпирающие" места. На фотографиях внизу - процесс изготовления шарика-основы.







Отсюда - http://www.temari.ru

ЖЖ по сабжу - http://community.livejournal.com/ru_temari

@темы: Фото, Культура, Ремесла, Национальные сувениры/ игрушки/ поделки

---

Замечательные странности Японии

или Хари-куё: праздник для усталых иголок



Ежегодно 8 февраля в храмах района Канто, куда входит Токио и окрестности, проходит ритуал "хари-куё", - молитва для иголок.

В этот день иголки и булавки, которыми пользовались весь год, благодарят за верную службу.



До начала 20 века это принято было делать дома.

Тогда главным занятием женщины было шитье, а иголка была в доме кормилицей. Поэтому женщины молились о том, чтобы лучше и красивее шить, все иголки благодарили, а сломанные не выкидывали, а относили в храм на упокой. Традиция жива и поныне.



В этот день положено вынуть иголки, убрать коробку для иголок, и не заниматься шитьем.

Сейчас все иголки и годные, и сломанные приносят в храм. В храмы в этот день приходят не только швеи, но и медсестры, поблагодарить свои медицинские иглы.







В Токио несколько храмов, где проводят "хари-куё", один из них - Авадзима-дзиндзя находится внутри большого и известного храма Сэнсодзи в Асакуса.

Вот так все токийские иголки на один день отправляются на курорт: их наряжают, приклеивая к ушкам цветные кружки, и втыкают в мягкий нежный и любимый японцами соевый творог "тофу".

@темы: Фото, Праздники, Культура

---

Что такое суйсеки?

Суйсеки - традиционный жанр японского искусства с более чем тысячелетней историей развития. Аришиге Матсуура, президент Nippon suiseki kyokai, определяет суйсеки следующим образом: " Это постижение природы и наслаждение ею в камне, который сам по себе является природой"; суйсеки - это " камень, не обработанный человеком". Именно восточное миросозерцание позволяет увидеть в камне источник медитации и вдохновения.



Суйсеки (дословно "водяные камни") - традиционный жанр японского искусства - композиция из природных камней на специальном подносе.



Суйсеки имеют многовековую историю, восходящую к китайской традиции создания миниатюрных пейзажей с причудливыми скалами. Движение мысли, породившее знаменитый "сад камней", дало жанру новый импульс: не имитировать идеальный пейзаж, а раскрыть природную красоту камня. Обычно для суйсеки использовались камни из горных рек, источенные потоком.



Доработка или обрезка камней, как правило, не допускалась. В наши дни суйсэки вновь стали предметом интереса как художников, так и специалистов по дизайну. Суйсеки могут играть в интерьере столь же важную роль, как бонсаи, но не создают проблем, связанных с поддержанием жизни миниатюрных деревьев, которые могут чувствовать себя комфортно только в условиях оранжереи.



Кроме классического суйсеки, развиваются ряд направлений, допускающих доработку природных камней или применение новых материалов. Одно из самых перспективных связано с использованием керамики.



Эстетическое значение камня определяется формой, качеством, цветом, поверхностью и возрастом. Совершенство основывается на равновесии элементов, из которых форма - наиболее важный . Камень должен производить гармоничное впечатление с любой из точек зрения. Любой камень, который с первого взгляда напоминает что-либо неестественное, совершенно непригоден. Камень должен иметь соответствующую твердость. Мягкие камни слишком быстро обрастают мхом, лава слишком хрупкая. При смачивании он должен оставаться влажным так долго, как только возможно.







Обычно для суйсеки используются камни из горных рек, источенные потоком; но необходимые качества редко обнаруживаются у "новых", недавно извлеченых из воды камней. Камень необходимо положить на светлое место и поливать, чтобы ускорить процесс старения, и после нескольких лет заботы камень превратится в суйсеки. Применяются и другие способы создания необходимого качества поверхности. Чем старше камень, чем больше внимания и труда приложено к нему, тем он ценнее. Суйсеки - это результат длительного процесса. В Японии для развития и совершенствования красоты нового камня требуется минимум 10 лет ухода, а иногда и намного больше. Доработка или обрезка камней, как правило, не допускается в соответствии с религиозными воззрениями дзэн-буддизма: она могла бы разрушить "душу камня". Обработка в какой-то мере допустима только для так называемых "пейзажных камней"



Очень важным моментом воздействия суйсеки на воображение и подсознание зрителя является присущий ему цвет. Цвет суйсеки должен быть естественным, то есть соответствовать мягким, свойственным природе тонам . Очень важны такие качества, как элегантность и спокойствие, присущие, например, обработанному водой черному камню. Таково же ощущение от темно-коричневого, сине-черного, темно-серого камня. Белый цвет нежелателен, так как в Японии является траурным. (Впрочем, в китайской традиции, наоборот, использование белых и светлых тонов).







В числе факторов, способствовавших развитию эстетики суйсеки, следует назвать искусство чая. Именно чайная церемония способствовала увеличению эстетической роли камней. Многие мастера чаепития использовали их как средство художественного выражения в организации чайного действа. Большей частью для этого предпочтительны маленькие, темные камни, которые зовутся Chaseki. Другой важный источник развития суйсеки - в сотрудничестве и взаимопроникновении с бонсаи. Оба эти искусства помогают вашему воображению перенестись в иное время и место. Камни, правильно расположенные, напоминают формы земной поверхности: горный хребет, остров или драматический водопад. Общим для обеих форм является воображение, позволяющее перешагнуть в миниатюрный ландшафт бонсай или суйсеки. Многие камни, первоначально использовавшиеся как элементы бонсай, со временем переходят в разряд суйсеки. Общим для двух жанров является также способ решения задачи организации отношений обьекта и окружающего его пространства. Наконец суйсеки, как и бонсаи, используют для размещения камней плоские керамическик сосуды-суибаны. Другим общепринятым вариантом является использование резной деревянной подставки, повторяющей форму камня.



Века развития сформировали в искусстве суйсеки систему классификации, позволяющую определить место и критерии оценки для практически любого камня. В этой сложной и многообразной системе самой распространенной группой является ландшафтная. Все пейзажные камни могут быть разбиты на стили: горные пейзажи, водопады или пещеры, арки, мосты и плоскогорья, пики, утесы и скалы, и так далее.Следующие две группы - это редкие камни (чин секи) - камни-предметы, похожие на хижину, лодку, человеческую фигуру или животное; и бисеки - камни обработанные для проявления присущей им красоты. Последние, как бы они не были хороши, не могут в рамках классической традиции считаться полноправными суйсеки.









Под названием кисеки объединяют загадочные, а чу шо иши - абстрактные камни. Они не похожи на что-нибудь определенное, но слишком красивы для того, чтобы пройти мимо и представляют собой неисчерпаемый источник вдохновения.



Много веков назад Иоанн Дунс Скотт высказал предположение, что камни - тоже живые существа, просто их жизнь протекает слишком медленно, чтобы люди успели её заметить. Пожалуй, так оно и есть для настоящих любителей суйсеки, чьи искусные руки и творческое воображение действительно способны оживлять камни.











Владимир Юделевич

@темы: Фото, Культура, Ремесла

---

Прекрасная Фудзи-сан

Ребята, выкладывайте, что там у кого в загашничках

@темы: Природа, Фото

---

Саке

Расцвет производства сакэ пришелся на период Эдо (1600-1868). Центром его изготовления стал местность Кинки, территория нынешних префектур Киото, Осакак и Хего. Считалось, что наиболее благоприятное время для изготовления напитка – январь и февраль, поэтому первое время его изготовляли именно в эти месяца. Такое сакэ называлось “кударидзакэ”. Способ получения напитка в те далекие времена был очень живописен, но не очень гигиеничен. Рисовые зерна просто жевали и сплевывали в деревянные емкости, где без всяких затей и проходила ферментация. Более чистое сакэ стали получать только в 12 веке. В промышленном же масштабе напиток стали производить с 17 века.



Для приготовления сакэ берут крупный рис и обрушивают его. Причем в результате от первоначального количества может остаться совсем немного. В случае приготовления самых элитных сортов – всего тридцать процентов, обычно же – около семидесяти. После этого рис промывают, замачивают, а потом подвергают воздействию пара. Около четверти подготовленного риса идет на создание закваски, которую остужают до 30 градусов, а потом в течение приблизительно 35 часов выдерживают в жарком и влажном помещении – чтобы внесенная туда грибковая культура чувствовала себя вполне комфортно. Затем получившееся сусло смешивают с дрожжами и пропаренным рисом, и все это заливают водой. Процесс ферментации занимает около трех месяцев. Потом напиток очищают, фильтруют и пастеризуют.

В итоге из двух составляющих – воды и риса – получаются тысячи видов сакэ, рознящихся тончайшими оттенками цвета, вкуса, густотой, “бархатистостью”, прозрачностью, крепостью (максимум – 20 градусов). Как известно, саке полагается иметь намек на золотистую туманность – хотя тут есть множество вариантов. Молодое саке должно обладать еле заметным лимонным, почти зеленоватым отливом. Некоторые старые сорта саке имеют оттенок почти янтарный. Но до сих пор величайшей загадкой остается, как в напитке появляются фруктовые нотки.

В пределах даже маленького городка обычно производится с сотню разных видов сакэ. И хотя старшее поколение японцев жалуется на то, что производителей становится год от года все меньше, официальной статистикой учтено более 2 тысяч. Наибольшее распространение получили сорта очищенного сакэ – “сэйсю”. Он бесцветен и по вкусу напоминает херес, однако некоторые предпочитают более древнее неочищенное сакэ – “нигоридзакэ”, желтоватого цвета и несколько горьковатого вкуса.



В отличие от вин и другого спиртного сакэ различается не по годам урожая, а по категориям – “иккю” (первый класс) и “никкю” (второй класс) – в зависимости от ставки налога (эта классификация введена в 1992 году). Как правило, сакэ разливают либо в стеклянные бутыли по несколько литров, либо в небольшие бутылочки (720, 500 или 300 мл) и даже алюминиевые банки.



Как и несколько столетий назад, сегодня существует три важных элемента, необходимых для приготовления саке: качественный рис, хорошая вода и прохладный на протяжении всего года климат. Если для вина первостепенное значение имеет качество винограда, то для саке – естественно, качество риса.





Что касается культуры потребления саке, то здесь существуют некоторые правила. Наливается саке из маленького керамического кувшинчика (токкури) в небольшие чашечки (чоко), рассчитанные всего на два-три глотка. По правилам, сакэ принято наливать непосредственно перед каждым тостом, а наполнять свою чашечку самому считается дурным тоном. Так что если вам случится идти по пути сакэ вместе с японцем, то ваш гость будет внимательно следить за наполненностью вашего бокала и будет очень рад, если вы, в свою очередь, обратите внимание и на его бокал. А если вы единственный из компании, кто пьет саке, то за вами могут поухаживать и налить напиток в чашку. В этом случае ее вежливее держать на весу.

Сакэ принадлежит к редким в мире напиткам, которые пьют и подогретыми и охлажденными. Сакэ обладает довольно широким температурным диапазоном пития – 33-55°С. Для некоторых, нет ничего вкуснее, чем сакэ при комнатной температуре. Другие отдают предпочтение сакэ с кусочком льда. Специалисты говорят, что язык человека наиболее остро воспринимает вкус при температуре 15-30°С.



Так как пить саке? Здесь диктует ситуация: легкий и сладкий саке лучше пить охлажденным в жаркий летний день. А в промозглую ветреную погоду пьют крепкий и острый сакэ. Его подогревают в специальной емкости до комнатной температуры. Такой способ употребления напитка по-японски называется “кан-заке”. Для этого его наливают в специальный керамический сосуд и ставят в водяную баню. Главное, чтобы саке не перегрели – в этом случае он теряет аромат.

Сами же японцы, нередко пьют сакэ холодным, считая, что это позволяет более тонко почувствовать вкус напитка. Профессиональные дегустаторы различают до 90 оттенков аромата. Саке отличает разнообразие насыщенных фруктовых нот.



С чем пьют сакэ? Сакэ универсально: оно великолепно сочетается не только с ключевыми блюдами японской кухни, но и чипсами, сыром, орешками и легкими закусками. Ко всему прочему, сакэ применяется при приготовлении традиционных японских блюд. Так, если при жарке речной форели ее полить разбавленным напитком, то она приобретает своеобразный привкус, кроме того, отбивается речной запах. При приготовлении рыбы фугу также применяется сакэ: специально обученные повара заливают сакэ обжаренные плавники этой рыбы.



Японцы говорят, что там, где пьют сакэ, рождается дружба. И это не декларация – церемония принятия сакэ действительно располагает к теплым чувствам. В искусстве пить сакэ воплощается японская вежливость. Сидя за чашечкой саке, собеседники говорят о чем угодно – а как только тема беседы вам надоест, возьмите графинчик с сакэ и подлейте человеку рядом. Таким образом, вы логически завершаете его речь, и теперь можете высказаться сами, а он будет внимательно и участливо слушать вас. И не забывайте перед каждым тостом говорить “Компай”, что значит до дна.





Сортов сакэ существует, образно говоря, бесчисленное количество. По официальной статистике, в стране насчитывается более 2400 заводов по производству этого напитка. На самом деле их много больше. Свое сакэ составляет предмет гордости местных жителей и нередко ассоциируется ими с одной из важнейших составных понятия «фурусато» — «малая родина».



История рисового вина в Японии уходит корнями в глубокое прошлое. Его употребляли в этой стране еще два тысячелетия назад и в быту, и в качестве подношения богам. В древней Японии сакэ изготовляли в винокурнях при императорском дворе или при синтоистских храмах. А сам напиток был обязательным компонентом различных религиозных праздников. Лишь с ХII в. многие деревенские общины освоили производство собственного вина, и оно постепенно стало неотъемлемой частью японской национальной культуры. Эту функцию сакэ выполняет и поныне, хотя в обычной жизни его заметно потеснили прочно укоренившиеся на японской почве пришельцы из-за рубежа — виски и пиво.



Раньше слово «сакэ» относилось только к рисовому вину. Но постепенно с появлением других алкогольных напитков этот термин стал употребляться шире — применительно ко всем напиткам, содержащим алкоголь. Под это название теперь подпадают и виски, и бренди, и та же водка. Свое же рисовое вино японцы чаще называют «сэйсю». Или же «нихонсю» (японское вино) в отличие от «ёсю» (европейского спиртного). Традиционными центрами национального виноделия являются префектуры Киото и Хиого, где издревле произрастал рис, из которого вырабатывались особенно вкусные сорта сакэ. Огромную популярность приобрела также продукция винокуренных заводов префектур Акита и Хиросима. Сакэ, производимое во всех других регионах страны, носит куда менее почетное название «дзидзакэ» (местные вина), хотя его качество зачастую не уступает более именитым фаворитам.



У сакэ помимо чисто вкусовых достоинств есть и статус так называемого официального подарка. Когда не знаешь, что подарить малознакомому человеку, бутылка сакэ придется как нельзя кстати. А еще лучше — бочонок сакэ. К открытию нового магазина соседи-лавочники обязательно скинутся на несколько бочек сакэ. Без них немыслима и процедура открытия очередного чемпионата по борьбе сумо.



Установленные друг на друга, оплетенные соломой бочата с рисовым вином украшают входы в театр Кабуки, на выставки традиционных национальных искусств, на многие торжественные мероприятия. Разработан целый ритуал открывания таких бочек. Несколько наиболее уважаемых гостей, ухватившись за длинную рукоять деревянного молотка, под одобрительные крики присутствующих разбивают верхнюю крышку, после чего идет коллективное опробование вина.



Чашечка сакэ — неотъемлемый атрибут отдыха в японской бане на горячих источниках. Расслабленно нежась в бассейне с горячей минеральной водой, японцы, особенно старшего поколения, обожают время от времени освежать горло глотком охлажденного сакэ. А как можно оценить прелесть цветущего вишневого сада, если под рукой нет бутылки рисового вина? Пить можно (и нужно) не спеша, растягивая удовольствие на целый вечер. Особый кайф японцы ощущают, увидя отражающийся в маленьком зеркальце наполненной чаши диск луны, а если в рюмку упадет опавший с ветки лепесток сакуры, счастье становится почти неописуемым. Даже начисто лишенный поэтических талантов японец пытается воспеть подобный момент в самодельных стихах.



А сакэ на свадьбах — это не просто горячительный напиток. Без него немыслима сама традиционная свадебная церемония. Издревле заключение брака в Японии оформлялось не обменом кольцами или поцелуями, а церемонией «сан-сан кудо» («трижды три — девять раз»). Жених и невеста по очереди делали по три глотка из трех чаш с сакэ. Именно этот момент определял рождение новой семьи.



Различия существуют не только во вкусе, аромате, прозрачности каждого конкретного напитка, зависящих, в свою очередь, как от мастерства винокуров, так и от качества местной воды и риса. Различается и культура пития. Одни предпочитают вкушать сакэ из миниатюрных фарфоровых чашечек, другие — из стеклянных бокалов, третьи — из небольших квадратных кадушек, добавляющих к аромату сакэ приятный смолистый запах сосновой живицы. Выбор надлежащей посуды определяется не столько аппетитом пьющего, сколько сортом рисового вина.Все, кроме японцев, уверены, что сакэ надо пить только слегка подогретым (37-38оС), по-японски такой способ употребления называется "кан-заке". Для этого напиток наливают в специальный керамический сосуд ("токкури") и ставят на водяную баню. Сами же японцы, нередко пьют сакэ холодным, охлаждая его кубиками льда, и считают, что это позволяет более тонко почувствовать вкус напитка. Японцу способ возлияния диктует ситуация: в промозглый ветреный день он хорошо прогреет сакэ, чтобы почувствовать себя уютно. Но если сакэ горячее, чем следует, из него начинают испаряться ароматические вещества и алкоголь, и от этого пострадает вкус. Поэтому настоящий гурман все же станет пить сакэ холодным и в полной мере насладится его букетом и ароматом.



Евгений Куценко.

@темы: Фото, Традиции и обычаи, Кухня/рецепты

---

Японские куклы из хризантем

Как к цветам, так и к куклам в Японии отношение особенное. Любование нежной и первозданной красотой природы в этой стране - многовековая традиция и вечная потребность души. А куклы - неотъемлемая часть японской культуры; Японию даже называют "страной десяти тысяч кукол". Это и куклы-обереги, и куклы-талисманы, традиционные куклы, передающиеся по наследству - гармоничные, утонченные, выполненные искусными мастерами.

И в японской культуре есть удивительное искусство, сочетающее в себе мастерство кукольников и утонченную красоту цветов - искусство создания кукол из живых хризантем!



Первые плантации хризантем появились в Японии около четырехсот лет назад, а в 1804 году в Токио начали создаваться большие, в человеческий рост, Kiku-ningyo - уникальные куклы из хризантем, облаченные в роскошные "одежды" из живых цветов, растущих в земле.

Изготовление таких кукол - искусство, требующее огромного мастерства и терпения от создателей, которые учатся этому многие годы и бережно передают свои навыки от поколения к поколению.



Выставка "цветочных кукол" - это осеннее мероприятие, и в течение уже многих лет оно проводится в городе Нихонмацу неподалеку от Токио. Нихонмацу - крупнейший центр цветоводства в Японии с 17 века: здесь выращивается несколько тысяч сортов хризантем всевозможных оттенков и размеров - от хризантем, цветущих крошечными цветами, до растений, имеющих грандиозные цветы диаметром больше двадцати сантиметров.

Чудесные куклы, облаченные в одежды из сотен этих ярких и нежных цветов, с каждым годом привлекают все больше зрителей.



Над созданием одной куклы традиционно работают несколько человек, и у каждого есть свои специфические обязанности.

Dogu-cho - это художник-дизайнер, который разрабатывает образ будущей куклы.

Ningyo-shi - "кукольник". Он делает простой деревянный каркас - основу кукольного тела, - и создает голову, руки и стопы куклы.

Kiku-shi - "Тот, Кто Покрывает Тело Хризантемами", или Специалист по Куклам из Хризантем - делает самую важную и ответственную работу. Он формирует кукольное "тело" при помощи бамбуковых планок, обернутых рисовой травой; этот процесс называется Dogara-maki. И дальше начинается самый интересный этап работы над куклой...



Для создания куклы из хризантем подбираются растения с небольшими цветками и длинными, гибкими стеблями. Чтобы цветы как можно дольше сохраняли свежесть и красоту, их не срезают, а выкапывают с корнями, очищают от земли и лишних листьев и бережно заворачивают корни во влажный мох. Этот процесс тоже имеет свое имя - Nemaki.

Потом растения помещают в раму-каркас, а цветы располагают в соответствии с замыслом, и тщательно закрепляют. Кукла оказывается заполненной корнями и стеблями растений, а покрывают ее сотни роскошных цветов. На каждую куклу уходит от 100 до 150 растений!



Элементами одежды, выполненными из ткани - поясами, шарфами - кукол украшают в последнююочередь. И уникальные произведения искусства предстают перед зрителями во всем своем великолепии...

А чтобы кукла "прожила" как можно дольше, за цветами тщательно ухаживают: их поливают, а отцветшие растения заменяют.



Изготовление кукол из живых хризантем получило в Японии статус традиционного художественного промысла. К сожалению, истинных мастеров, владеющих секретами традиционного искусства создания кукол из хризантем, осталось совсем немного. Но это искусство живет, и каждой осенью художники радуют людей новыми шедеврами из хрупких и чарующих цветов...



автор Зиборова Е.Т.

@темы: Природа, Разное, Фото